Das riesige Gemälde wurde 1844 von der Gemeinde Ancona auf Wunsch des Marquis Carlo Bourbon del Monte, Gonfaloniere der Stadt, Freund und Beschützer des Malers, bei dem Künstler in Auftrag gegeben.

Es ist eine Episode, die vom heroischen Widerstand der Stadt bei der Belagerung von 1173 durch Cristiano di Magonza, Kanzler von Federico Barbarossa, inspiriert wurde.

Nach einigen Wochen der Belagerung schickten die Kaiserlichen eine Botschaft in die Stadt mit der Bitte um Kapitulation, die Anerkennung der kaiserlichen Macht und die Übergabe des Konsuls des Byzantinischen Reiches. Die Anconiter lehnten das Angebot ab und schickten im Gegenteil Abgesandte, die durch die feindlichen Reihen gingen, um in den befreundeten Städten der Romagna und Emilia um Hilfe zu bitten.

Der Künstler verewigt den Moment, in dem der alte Senator Bonifacio Faziolo, blind und unterstützt von zwei jungen Männern, die Ratsherren, die Soldaten und die Bevölkerung von Ancona auffordert, der Belagerung bis zum Tod Widerstand zu leisten.

Das theatralisch aufgebaute Werk hebt die bürgerlichen Tugenden Mut und Einheit hervor und aktualisiert die Konzepte des Widerstands und des patriotischen Engagements in der Zeit der österreichischen Besatzung, die das Volk von Ancona durchmachte, als es 1856 in die Stadt kam.

Signiert OPUS CAROLI CRIVELLI VENETI auf der Steinbrüstung aus rosa Marmor, wurde das Werk von Carlo Crivelli geschaffen, einem venezianischen Maler, der zu den bedeutendsten Künstlern des 15. Jahrhunderts gehört.

Ein kleines Kunstjuwel mit außergewöhnlichen Details, die mit Miniaturkunst der verschiedenen Elemente wiedergegeben werden und voller einer besonderen marianischen und christologischen Symbolik sind, die mit der Passion Christi verbunden sind. Die Äpfel der Girlande spielen auf die Erbsünde an, die Gurke auf die Auferstehung Jesu, die offene Schale mit einem Weichtier in der rechten Hand ist eine Allegorie auf die Menschwerdung Christi im Schoß Mariens, der Stieglitz ist an den Faden gebunden ein Symbol der Leidenschaft.

Das Kleid der Jungfrau ist prächtig und besteht aus einem goldenen Damastmantel, der von Crivelli mit echten Goldblättern hergestellt und mit Akanthusblüten geschmückt ist, deren Dornen an den Schmerz der Leidenschaft des Sohnes erinnern. Schließlich bezeichnet das Buch der Weisheit, das offen und dem Wind überlassen auf der Brüstung platziert ist, die Jungfrau als Mater Sapientiae.

Die äußerst gestalterische Eleganz der Szene offenbart sich im Antlitz der Jungfrau, das von einem liebevollen, aber zugleich melancholischen Ausdruck geprägt ist; raffiniert ist die Art, wie er den Fuß seines Kindes mit den Fingerspitzen umfasst; wie beabsichtigt ist ihr Blickwechsel.

Das Altarbild ist Tizians erstes Werk aus dem Jahr 1520. Aus der am Fuß des Werkes angebrachten Kartusche „ALOYXIUS GOTIUS RAGOSINUS / FECIT FIERI / MDXX / TITIANUS CADORINUS PINSIT“ erfahren wir, dass dies von dem edlen dalmatinischen Kaufmann Luigi Gozzi in Auftrag gegeben wurde Ancona, für den Hauptaltar der Kirche San Francesco ad Alto.

Die Darstellung zeigt die Erscheinung der Jungfrau und des Kindes, umgeben von Engeln, während im unteren Teil neben dem rechts abgebildeten Gozzi mit gefalteten Händen die Heiligen Franziskus, Besitzer der gleichnamigen Kirche, und San Biagio, Beschützer, zu sehen sind von Dubrovnik, der durch den Zeigefinger seiner rechten Hand die Aufmerksamkeit aller auf die himmlische Vision lenkt.

Die Veranstaltung findet im wärmsten Dämmerlicht an einem unbestimmten Ort, aber nicht weit von Venedig statt, die im Hintergrund erkennbare Stadt, die auch von den intensiven Beziehungen zwischen Ancona, Dalmatien und der Serenissima zeugt. Die Darstellung des schlanken Feigenbaums ist Träger einer starken Symbolkraft, der Erlösung und Erlösung.

Die Rückseite des Tisches zeigt einige vorbereitende Kohlezeichnungen, darunter eine Skizze für das Kind, von Tizian selbst. Ein meisterhaftes Gemälde, das einen grundlegenden Schritt in seiner stilistischen Entwicklung darstellt.

Das Werk stammt von dem Ancona-Maler Giovanni Andrea Lilli, einem im römischen Umfeld um Sixtus V. ausgebildeten Künstler, dessen Stil sowohl von der Barocci-Malerei als auch vom spätrömischen und toskanischen Manierismus beeinflusst ist.

Die Ansicht von Ancona ist eines der vier erhaltenen Fragmente des großen Altarbildes Die Jungfrau krönt den Heiligen Nikolaus von Tolentino, das sich ursprünglich in der Apsis der Kirche Sant'Agostino befand (nach 1860 in eine Kaserne umgewandelt). Obwohl die gesamte ikonografische Anordnung des Altarbildes nicht bekannt ist, befand sich dieses Fragment sicher im unteren Teil, da unten rechts die Inschrift mit der Signatur des Künstlers und der Datierung des Werkes erscheint, in der die letzte Figur abgeschliffen ist.

Der Blick auf Ancona ist besonders eindrucksvoll, da sein Zustand als Fragment ihm eine archaische Beständigkeit verleiht, aus einer Stadt des vierzehnten Jahrhunderts. Dieser Eindruck, zu dem die unnatürliche rosa und lila Farbgebung und die geometrische Vereinfachung der Volumen der Häuser, Türen und Türme der Stadt beitragen. Die Arbeit ist ein Stück von großem Interesse, das zum Zweck der Rekonstruktion der Forma Urbis der dorischen Stadt aus dem 16. Jahrhundert gesehen wird.

Bei dem großen Altarbild, das für die Kirche S. Agostino in Ancona in Auftrag gegeben wurde, fällt auf der ersten Stufe die Unterschrift des Venezianers Lorenzo Lotto auf. Die monumentale Anlage zeigt die Madonna mit Kind auf einem hohen Thron, zu deren Füßen die Heiligen Stephanus, Johannes der Evangelist, Simone Giuda und Lorenzo stehen, die alle an ihren jeweiligen Attributen erkennbar sind.

Die seltenere Simone Giuda, Namensgeberin des Auftraggebers Simone di Giovannino de 'Pizoni, trägt eine ungewöhnliche Hellebarde, auf der er sich fest abstützt und sich mit entschlossener und eloquenter Miene dem Betrachter zuwendet. Das Gemälde wurde im August 1538 bei Lotto bestellt, dem Jahr, in dem die Tyrannei des Kardinalslegaten Benedetto Accolti und der mit Hellebarden bewaffneten deutschen Landsknechte in der Stadt endete. Die auf den Kopf gestellte und zerbrochene Waffe würde die Niederlage des Usurpators und das Ende der Tyrannei symbolisieren. Wie in anderen Werken von Lotto wird die Symmetrie der Komposition durch die Vielfalt der Haltungen, Blicke und die erregte Figur des Kindes gebrochen, auf das die Kraftlinien zulaufen. Die verdünnte Atmosphäre und das Licht eines späten Nachmittags sind das Ergebnis der Verwendung gedeckterer Farben und der Kontraste zwischen beleuchteten und schattierten Bereichen.

Maler, Bildhauer, Bühnenbildner, Kostümbildner, vollendeter und vielseitiger Künstler der zweiten Nachkriegszeit, die Kunst von Corrado Cagli ist in ganz Europa bekannt. Eine künstlerische Persönlichkeit, die sich durch eine stilistische Vielseitigkeit und eine Meisterschaft in den unterschiedlichsten Bereichen des künstlerischen Ausdrucks auszeichnet, hat Cagli zum Gegenstand des Studiums und der kritischen Analyse renommierter Historiker, Gelehrter, Dichter und Essayisten gemacht.

Das Werk Buglione von 1971 erinnert an das Konzept der abstrakten Figuration, dem sich der Künstler nach dem Krieg widmete, bestehend aus modularen und mathematischen Wiederholungen, aus Teilchen, die die Zweidimensionalität der Malerei herausfordern. Die geometrischen Strukturen erstrecken sich in einem kontinuierlichen Spiel von konkav und konvex in den Raum und erzeugen die Illusion einer dreidimensionalen Figur. Die Kreise, aus denen sich die Figur zusammensetzt, erinnern an die sagenumwobene Rüstung eines ritterlichen Mittelalters und verweisen auf das Kettenhemd, die für mittelalterliche Krieger typische feste Struktur aus Metallgeflecht.

Der Titel des Werks selbst erinnert an die legendäre Figur von Gottfried von Bouillon, eine grundlegende Figur des ersten Kreuzzugs, und reduziert sie auf eine deformierte Maske.