El "Riposo" es una obra maestra de extraordinaria belleza y excepcional inmediatez comunicativa del joven Caravaggio, fechable en 1597. La composición está dividida de forma absolutamente original por la figura del bello ángel de espaldas con grandes alas de golondrina negra, tocando el violín. . A la derecha, rodeada de una frondosa vegetación, la Virgen dormida con el Niño en brazos. Ambos están representados de manera idealizada y la belleza de sus facciones contrasta con la interpretación naturalista de San José, quien, a pesar de estar abrumado por el cansancio, es secuestrado por la aparición del ángel y se presta a apoyar la partitura. Las notas de la partitura siguen un motete escrito en 1519 por el compositor flamenco Noel Bauldwijn sobre un texto extraído del Cantar de los Cantares y dedicado a la Virgen.

La magnífica obra data de principios del siglo XVII y el tema es uno de los más replicados por Caravaggio. El joven santo está representado abrazando fraternalmente a un carnero, quizás representando el sacrificio de Cristo, sentado sobre una túnica roja y piel de camello, símbolos del Salvador y del mismo Bautista. Al pie de la figura se representa el tejo imberbe, cuyas virtudes medicinales se conocen desde la antigüedad. Por último, desde hace tiempo se subraya la relación de la obra con los desnudos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, de los que Caravaggio era admirador.

Retratada en un escenario sin adornos y sentada en una silla baja, como aplastada por el plano cenital, con un único rayo de luz que atraviesa el lienzo, una niña de tez pálida y larga cabellera rojiza, con las manos apoyadas suavemente sobre su regazo y con el rostro hacia abajo, llora de dolor y una sola lágrima clara se desliza de su ojo derecho entrecerrado. La pintura se remonta a la primera actividad romana de Caravaggio (1597) y representa a la Pecadora que acaba de renunciar a su vida mundana pasada, abandonando en el suelo un collar de perlas y joyas junto con el frasco de ungüento, su atributo característico.

En esta temprana obra maestra de Tiziano, fechada en 1515, la escena se tiñe de un lirismo refinado y sensual y representa a Salomé acompañada de la criada que sostiene la bandeja sobre la que reposa la cabeza del Bautista, en la que se ha reconocido un autorretrato del autor. . .

Es la pieza más importante de la colección y, con mucho, la obra maestra del retrato del siglo XVII. Representa a Giovanni Battista Pamphilj, papa de 1644 a 1655, con realismo y sin ocultar la aspereza de sus rasgos. Velázquez, pintor de la corte española, probablemente la pintó entre finales de 1649 y enero de 1650 y el cuadro agradó a Inocencio X y a sus contemporáneos, como atestiguan numerosas copias antiguas de la obra maestra, cuyo notable poder expresivo ha impresionado a artistas de todos los tiempos. .

Se trata de la "Casta Susanna con los dos viejos" sobre tabla de Annibale Carracci, pintada en 1604 y descrita por Bellori (1672). La alta calidad de la pintura de Carracci, ejecutada sobre una superficie lisa, y la refinada iconografía influyeron en los contemporáneos.

La escena, con la fina orfebrería y la acentuación de los valores lineales del diseño y el elegante trazo, muestra el preciso momento en el que la Virgen se encuentra con el Ángel Gabriel. El Ángel tiene una mano sobre su pecho en señal de saludo, mientras que en el cielo se pueden ver las manos de Dios que hacen descender a la paloma, símbolo del Espíritu Santo. El panel, en excelentes condiciones de conservación, es ciertamente un autógrafo del maestro florentino realizado entre 1445 y 1450.

El retrato papal fue pintado por el maestro poco antes del gran Jubileo de 1650. A pesar del tono vagamente heroico con el que se plasma la fisonomía del pontífice, Bernini no renuncia a la vivacidad y la expresividad, incluso en la idealización del personaje representado. El dominio de la técnica del gran escultor queda patente en el pliegue de la muceta y en el movimiento de los botones, que aligeran la inmovilidad del busto.

El episodio sagrado queda relegado a un segundo plano, como en muchas obras flamencas y holandesas de la época, con las diminutas figurillas de Adán y Eva retratadas en el momento de la tentación, mientras que la enciclopedia animal del Edén domina la escena, admirablemente representada. La ejecución, firmada y fechada en 1612, es muy fina y ciertamente se llevó a cabo con la ayuda de lupas: los infinitos detalles están, de hecho, perfectamente descritos, llevando al extremo las posibilidades que ofrece la superficie lisa de cobre.

La tabla lleva la firma, el nombre del retratado y la fecha de 1529. De excelente calidad ejecutiva, es una de las obras más conocidas del gran artista holandés, uno de los primeros en viajar a Italia. De vuelta en Utrecht, vivía con la joven de la sonrisa apenas insinuada. Se trata de un raro ejemplo de retrato real de una mujer artista y por ello ha tenido un amplio eco en la literatura especializada.

Memling fue un soberbio retratista, protagonista absoluto del Renacimiento flamenco, ya su madurez pertenece este finísimo "Compianto". A la derecha está arrodillado el donante, personaje no identificado hasta la fecha, que tuvo que encargar el cuadro. Fechado diversamente en la octava/novena década del siglo XV, el trabajo sobre madera de roble está muy bien conservado.

Pintado en Roma entre 1604 y 1613 para el cardenal Pietro Aldobrandini, es el elemento principal de la llamada "Luneta Aldobrandini", gracias a la cual se consolidó el género paisajístico en la pintura. De hecho, era una novedad que se colocaran temas sagrados sobre fondos naturales para decorar una capilla y por ello la obra fue ejemplo e inspiración para generaciones de pintores.

La magnífica pintura, que data de 1604, fue comprada en París por Camillo Pamphilj en 1654. Retrata con colores vivos y la descripción minuciosa de los muchos detalles y microescenas de la Virgen sentada en un paisaje, lleno de flores y animales, y en su regazo, el Niño, que tiene flores en sus manos; más atrás San José del palo y escenas bucólicas.

La tabla, datable a principios del siglo XVII, representa un pueblo flamenco en invierno envuelto en una atmósfera neblinosa y amarillenta. La vista se pierde a lo lejos en un pueblo distante, apenas visible, envuelto en niebla. Se describe un atisbo de la vida cotidiana con los habitantes retratados en el centro mientras se divierten patinando sobre el río helado. A la derecha, en medio de un claro, se instala una trampa para pájaros, quizás con intención moralizadora.

Este famoso busto representa a la decidida y ambiciosa cuñada del Papa Inocencio X Pamphilj y seguramente se completó en 1650. El retrato es uno de los ejemplos más altos de la escultura romana de mediados del siglo XVII. De extraordinaria fisonomía, el rostro muestra los imponentes pómulos y la barbilla resuelta de la poderosa noble, mientras que el ápice del virtuosismo formal se alcanza en la interpretación del fino velo de viuda que se hincha de aire detrás de la cabeza.