La obra del Palacio Real, de la colección borbónica, representa a la Venus dormida con un Amorino a su lado, también dormido, mientras un sátiro la mira a través de un espejo, símbolo de la vanidad y la lujuria, que también aparecen, en el primer piso, entre las flores, el globo alrededor de la serpiente, el arco y la aljaba.

Como parte de la producción jordana, la obra se sitúa durante los años sesenta del siglo XVII, cuando la referencia del maestro a la pintura veneciana de origen tiziano es más evidente, en el cromatismo y fluidez de la materia pictórica y en la propia composición.

Del cuadro, en el Palacio Real hasta 1832 y luego desde 1979, existe una versión muy similar, aunque de menores dimensiones, en una colección particular y variante del tema conservada en el Museo Capodimonte.

La obra, encargada directamente por el rey en 1818-19 y colocada en la Segunda Antesala del Apartamento Real, lo retrata tras su reasentamiento en el trono de Nápoles, a finales de la década de dominación francesa (1805-1815) , cuando, con motivo de la Restauración borbónica, Fernando cambió su título de Fernando IV rey de Nápoles a Fernando I de las Dos Sicilias.

El rey está representado de pie junto al trono y con la mano derecha señala la basílica de San Francesco di Paola, que mandó construir, en el Largo di Palazzo, como exvotov al santo calabrés por haber recuperado el reino. Viste el hábito de Caballero de la Orden de San Gennaro, fundada por Carlos de Borbón el 3 de julio de 1738, con motivo de su boda con María Amalia de Sajonia. Después de un largo reinado, que comenzó en 1759 a la edad de ocho años, a su muerte en 1825 Fernando I fue enterrado en Santa Chiara con el hábito de la Orden de San Gennaro.

Maria Antonia di Baviera fue la esposa de Frederich Christian von Sachen, Elector de Sajonia, hijo de Augusto III de Sajonia, rey de Polonia de 1734 a 1763. La presencia del retrato en el Salón del Trono está motivada por los estrechos lazos de parentesco con la corte napolitana de María Antonia, cuñada de la reina de Nápoles María Amalia de Sajonia, hija de Augusto III de Sajonia y esposa del rey Carlos de Borbón.

María Antonia está representada casi de cuerpo entero, con una túnica muy grande y la mano derecha apoyada en la corona. El elegante vestido de tafetán está envuelto en una capa real de terciopelo azul forrado con armiño, el símbolo real por excelencia. En el corpiño, la Electora lleva la insignia de la orden de Santa Catalina fundada por el emperador Pedro I en 1714 en honor a la emperatriz Catalina, su esposa.

Apasionada del arte y de la música de la que fue una gran impulsora, María Antonia era ella misma música, experta en clavecín; Ha compuesto varias obras entre ellas "Talestri, Queen of the Amazons", drama musical compuesto en 1763 y publicado en 1765, del que se propone el Aria "Da te mi dividi". La obra podría ser autobiográfica porque la protagonista reconoce que tiene la fuerza y la energía para salvar a su pueblo.

El retrato se realizó con motivo de la firma de un importante acuerdo diplomático entre el Reino de Nápoles y la Sublime Porta, el antiguo Imperio Otomano: el "Tratado de paz, navegación y comercio", firmado el 7 de abril de 1740, con el que el rey de Nápoles sentó las bases para la reanudación del comercio en el Mediterráneo, frenando el fenómeno de la piratería. En virtud de este acuerdo, el sultán Mahmud I envió a Nápoles al embajador Haji Hussein Effendi, quien llegó el 30 de agosto de 1741, fue recibido en la corte el 18 de septiembre y permaneció en la ciudad durante un mes, con un seguimiento muy rico y colorido.

En memoria del evento, el rey Carlos encargó la pintura a Giuseppe Bonito, pintor oficial de la corte. Bonito colocó la figura del embajador en el centro de la escena con los exponentes de las principales filas de la embajada a su alrededor. La Effendi viste un dolimàno de terciopelo con brocados de seda trabajados con flores, bajo la feràce, un largo manto; los peich, o staffieri, visten vestidos de raso o damasco de formas ligeras y de diferentes colores, envueltos en un cinturón de seda. Sobre la cabeza de los personajes se encuentra el típico turbante, envuelto alrededor de un gorro rojo, al que se le llamaba cuerno. En el Museo del Prado de Madrid existe una réplica autógrafa del cuadro, enviada a la reina de España Elisabetta Farnese, madre de Carlos de Borbón.

El techo de la sala está decorado con frescos con las “Historias de Consalvo de Córdoba”, primer virrey de Nápoles, vencedor en la guerra por la posesión del Reino de Nápoles entre Francia y España (1502-1504).

Las grandes escenas de los compartimentos rectangulares representan "La conquista de Calabria", "El desafío de Barletta", "El duelo con La Palisse en Ruvo di Puglia", "El encuentro de Consalvo di Cordova con los embajadores de Nápoles que le ofrecen las llaves de la ciudad ”y, en la pared del balcón“ La entrada triunfal en Nápoles del Gran Capitano a través de Porta Capuana ”.

En los tramos angulares de la bóveda están pintados los escudos del virrey Conde de Lemos, que gobernó de 1610 a 1616. Autoridad que está lejos: el rey de España.

Las fuentes del siglo XVII ya mencionan a Battistello Caracciolo como pintor activo en el Palacio Real, pero la atribución de los frescos se remonta al erudito Roberto Longhi (1943). En este ciclo Battistello pinta con una voluntad estrictamente narrativa, totalmente afín a la elección naturalista de Caravaggio, cuyo retrato aparece entre los espectadores en el centro de la escena de los Embajadores, representando un homenaje al gran Maestro quizás apenas un año después de su muerte. .

La pintura rinde homenaje a la tradición de la repostería napolitana. A la derecha, sobre un soporte de peltre, se representa una rica oferta de manjares, entre los que se pueden identificar bizcochos en forma de abanico, cubiertos de miel, rebanadas de bizcocho y bizcochos largos de anís, llamados anesi. A la izquierda, sin embargo, en contraste con el elegante protector contra salpicaduras, se representa un cuoppo (lámina en forma de embudo) más popular de la tradición culinaria napolitana, que contiene dulces blancos, probablemente albóndigas dulces de Fondant o trozos de pasta real para picar con dedos. Su forma también evoca un tipo de caramelo conocido en la época como franfellicchi, dulces elaborados a partir de una suave madeja de azúcar fibroso, que se vendían en la calle.

La Capilla Palatina está dedicada a la Virgen de la Asunción, por lo que la pintura central del techo, realizada por Domenico Morelli, uno de los más grandes pintores italianos del siglo XIX, representa la Asunción de la Virgen. La obra fue encargada al artista napolitano por el intendente adjunto de la Casa Real de Annibale Sacco en 1864. El 2 de mayo de ese año, de hecho, el pintor recibió de la Casa Real 4.500 liras como anticipo de las 20.000 liras pactadas para la obra. .

La realización del lienzo llevó mucho tiempo debido principalmente a su tamaño (9,80 x 5,56 m). Se piensa que el artista, tras los estudios preparatorios y la aprobación del boceto, ejecutó el cuadro en la propia Capilla Real, ya que es problemático colocar el lienzo en el estudio sin plegarlo.

La obra quedó terminada en junio de 1870, suscitando el elogio unánime de la crítica de la época.

“L'Assunta”, gracias a una intervención preventiva para retirar la lona, que fue bajada y colocada en un lugar seguro, se salvó del bombardeo de agosto de 1943 que destruyó la bóveda de la capilla. Una reciente restauración con consolidación de la película pictórica, limpieza, barnizado y reintegración pictórica (2006) ha devuelto a la obra el aspecto original y ha sacado a la luz la firma y la fecha (Morelli 1870).

La mesa de bronce, con tapa de mármol con motivo de caleidoscopio geométrico, fue donada al rey Francisco I (Nápoles 1777-1830) por la reina Isabel el 4 de octubre de 1827, con motivo de su cumpleaños.

En el borde superior, la obra está decorada con once medallones de mármol policromado que sustituyen a los documentados, con retratos de la familia real; mientras que en el borde lateral, entre motivos de conchas y caballitos de mar, había otros tantos medallones con las 'Vistas de Pompeya', decoraciones aún registradas en el inventario de 1907, pero eliminadas ya en 1950. Los soportes de bronce representan telamones en patas de león. que aplastan tortugas.

La mesa adornaba originalmente el Dormitorio del Rey en el Palacio Real de Portici y está inspirada en su conformación por los soportes de mármol excavados que soportan pisos de madera petrificados; de hecho, antaño sus soportes de bronce fueron considerados precisamente hallazgos de Herculano.

En la colección privada hay una serie de once miniaturas, esmalte sobre porcelana, con marcos que representan a Maria Isabella di Borbone, esposa de Francisco I, y los primeros diez de sus hijos. La decoración probablemente fue realizada por Raffaele Giovine y es claramente un encargo real con el propósito de adornar un mueble, como la mesa en cuestión, de la que podrían constituir los medallones que faltan.

Esta bandeja pertenece al servicio de la antigua 'Vasella' del Palacio Real y estaba destinada al lujo de la mesa. Sobre él, de hecho, no se preparó comida pero se colocaron elementos decorativos como cestas de flores, almendras azucaradas y candelabros que, reflejándose en los espejos, daban mayor brillo a la mesa, con un efecto escenográfico de considerable esplendor.

La mesa de postres, en cinco piezas modulares, está sostenida por pares de patas de león y, nuevamente debajo de la base, por ruedas giratorias invisibles para facilitar el movimiento sobre la mesa. Un friso de laurel que recorre todo el perímetro está interrumpido por figuras enfrentadas de parejas de bacantes en el acto de colocar racimos de uvas en copas y por parejas de efebos vertiendo vino en cántaros.

De estilo Imperio, tiene estrechas analogías formales con otra pieza central expuesta en el Museo Marmottan de París, realizada por Thomire y fechable entre 1810 y 1814, que perteneció a Luciano Bonaparte.

La obra, además de ser un mueble de precioso valor artístico, puede considerarse una notable obra tecnológica del siglo XVIII; se trata de un escritorio con tapa extensible, equipado con un atril con un sistema giratorio de estanterías.

El atril giratorio, que tipológicamente remite a la tradición medieval nórdica, perteneció a la Biblioteca de la Reina María Carolina de Austria, y documenta la presencia en Nápoles de artistas y artesanos extranjeros que gravitaban en torno a la Corte, importando y difundiendo técnicas artesanales y variadas modelos La firma 'Giovanni / Uldrich - Año 1792', que se muestra en las placas de bronce dorado de la superficie de apoyo, apunta hacia un origen austriaco o alemán del artesano, que también se dedica a la fabricación de pianos.

La obra está influenciada por el gusto neoclásico que da a los elementos estructurales la forma de los órdenes arquitectónicos: las columnas que soportan la gran rueda central asumen formas dóricas y los capiteles de rigurosas líneas clásicas. En un lateral del tablero, también de formas clásicas, una manivela metálica permite el movimiento de una especie de 'molino' de dos ruedas, al que se fijan ocho estantes-faciles con bisagras regulables de latón, que permiten la lectura simultánea de múltiples textos.

El reloj se encuentra entre los más antiguos y preciosos de la colección del Palacio Real, ya que fue fabricado por Thuret, un relojero de la corte de Francia y del Observatorio de París y colaborador del físico holandés Christian Huygens, quien fue el primero en introducir la relojería. invención del péndulo.

La representación del mito de Atlas se usaba a menudo en relojes de estatuas. Atlas, hermano de Prometeo y Epimeteo, participó en la lucha entre Gigantes y Dioses. Derrotado, fue condenado por Zeus a sostener la bóveda del cielo sobre sus hombros. El artista del bronce ha representado el momento en que Atlas, habiendo recibido el globo terráqueo sobre sus hombros, lo va acomodando, mientras busca apoyo en una roca que le pueda servir de asiento.

El globo, a la altura del ecuador, está atravesado por una banda de porcelana que gira de izquierda a derecha con grandes números romanos. El sol con sus rayos marca las horas.

La base representa los símbolos de Hércules: la piel de león, en la que están grabados la firma, el garrote y la aljaba. El mito de Hércules está ligado al de Atlas, y es indicativo del origen del reloj de la Casa Farnesio, que estaba adornado con símbolos hercúleos.

Detrás del antiguo aposento privado de María Amalia de Sajonia (sala XIV), esposa de Carlos de Borbón, se abre la alcoba de María Amalia, que se imagina como una gran hornacina que da a la Cámara, donde se encontraba el lecho de la reina.

Cuando en el siglo XIX las casas de los soberanos se trasladaron al segundo piso, el techo de la Alcoba se cubrió con una decoración neoclásica de marcos, palmetas y espirales de papel maché dorado sobre fondo blanco, alrededor de un rosetón central.

El fresco sacado a la luz es obra documentada de Nicola Maria Rossi (1690-1758), a quien según documentos se le pagó en 1739 quinientos ducados para pintar al fresco a la Reina en la Alcoba de SM la Reina "un deseo de una muy feliz descendencia".

En el centro vemos a La Notte, con el manto oscuro, que protege al durmiente; Minerva -con la lanza atravesando las nubes- también sonriente e inclinada hacia abajo, protectora real de la Fertilidad y figura femenina que acoge un nido con dos palomas blancas en su seno. A la izquierda el carro de la Aurora, que indica El Día y el dios Harpócrates, representado en forma de escultura, en alusión al silencio.

Esta extraordinaria obra maestra del barroco napolitano fue construida entre 1672 y 1691 para la iglesia de Santa Teresa degli Studi. El altar fue trasladado al Palacio Real en 1808, tras la supresión de los cuerpos eclesiásticos -por parte del gobierno francés de Giuseppe Bonaparte- con lo que los bienes religiosos fueron confiscados por el Estado.

El altar se caracteriza por ornamentos de cobre dorado con revestimiento de piedras preciosas semipreciosas (ágata, jaspe, lapislázuli, amatista, ónice, malaquita), engarzados para crear diseños en perspectiva. En el frontal (panel central) y en las puertas laterales la disposición arquitectónica del conjunto crea la imagen de un templo con pilares, nichos y balaustradas. En el punto de fuga de la perspectiva central escenográfica, se representa a Santa Teresa, a quien está dedicado el altar.

En el copón hay un panel de piedras semipreciosas incrustadas sobre un fondo belga negro, realizado por el Opificio delle Pietre Dure en Florencia en 1772, regalo de Cosme III a los Padres Teresianos.

El altar se salvó de las bombas del 14 de agosto de 1943 gracias a una protección de emergencia puesta en marcha durante la guerra. Una estructura de tablas de madera completamente recubierta con sacos de arena logró proteger la obra cuando fue golpeada por el derrumbe de la bóveda de la capilla.

El Belén del Palacio Real consta de 210 figuras, realizadas a mano entre finales del siglo XVIII y principios del XIX. Cada figura, el llamado "triplete", de 35-40 centímetros, está hecha de estopa y alambre, tiene extremidades de madera pintadas, rostro y manos de terracota y ojos de cristal, todo para dar a las figuras un aspecto muy verosímil. .

En la imponente puesta en escena podemos identificar los tres momentos esenciales de la "representación sagrada": la Natividad, la Anunciación a los Pastores y la Taberna. La Natividad se coloca en lo alto, entre las ruinas de un antiguo templo, para simbolizar la victoria del cristianismo sobre el paganismo, pero también para renovar el gusto por los descubrimientos arqueológicos de Herculano y Pompeya; en el centro, un ángel anuncia a los pastores el inminente nacimiento del Salvador; finalmente, a la derecha, una mesa dispuesta con ricos comensales hace de proscenio a la bodega, repleta de todo tipo de alimentos típicos de la cocina napolitana. Numerosos escultores importantes del siglo XVIII probaron suerte con el arte del pesebre, entre ellos, Giuseppe Sammartino, autor del Cristo velado, a quien se atribuye la llamada mujer Rinascante, adornada con pendientes y collar de coral, sentada a la mesa. de la posada, con un vestido de terciopelo rojo y dorado con falda de seda verde.

La maqueta, procedente del Palacio Real de Caserta, documenta la conformación arquitectónica del Palacio Real a principios del siglo XIX, antes de las restauraciones masivas encargadas por Fernando II. Se configura como modelo para estudios de diseño de transformaciones y preparatorio, probablemente, del primer borrador del Gran Proyecto de Antonio Niccolini al que se refiere el artefacto, datable en 1811.

El bloque original de los Palacios Viejo y Nuevo contrasta con el grueso del "Braccio Nuovo" del siglo XVIII que, en línea con el patio principal, cierra la fachada sur: aquí estaba el apartamento de Carolina Murat con acceso desde una nueva escalera a cuatro tramos, de los que se puede vislumbrar el compartimento, y conectado a la terraza cuya extensión no se reproduce en la maqueta. En el interior está representado el Teatro de la Reina, más tarde transformado por Gaetano Genovese en un Salón de Baile, en el que son visibles reproducciones de decorados pintados, en realidad realizados por Niccolini. El jardín colgante conecta los edificios irregulares del frente sur, entre los que destaca el pabellón del Belvedere del siglo XVII. El paso entre el patio del Belvedere y el de los carruajes se realiza a través de una pequeña logia sobre pilares, mientras que las conexiones de perspectiva originales del proyecto fontaniano ahora se reducen a pequeñas aberturas entre los patios.

La decoración de la bóveda del pabellón de la primera antecámara forma parte del ciclo decorativo de los aposentos reales ejecutado entre 1737 y 1738 con motivo de la boda de Carlos y María Amalia de Borbón.

La composición inserta la gran escena central sobre un sistema arquitectónico pintado ilusionista, que expande la espacialidad del entorno a medida que se enmarca vertiginosamente desde abajo, creado por Vincenzo Re, escenógrafo de la Corte y del Teatro San Carlo, especializado en intervenciones decorativas similares. en las principales residencias reales, como en el Palacio Real de Portici.ì

La escena del centro de la bóveda de crucería se pintó con la técnica del óleo sobre yeso, que se seca más rápido que el fresco, dados los cortos plazos de entrega de la obra. De Mura ideó una composición que amplía ilusionistamente la cuadratura, en la que en el centro se representan los escudos de armas de los Borbones y de Sajonia en poder de los Genios Reales y colocados bajo la corona, en alusión a la boda real. Del lado izquierdo, las Alegorías de las Virtudes de Carlos (Fortaleza, Justicia, Clemencia o Paz, Magnanimidad) y del lado derecho las Alegorías con las Virtudes de María Amalia (Fidelidad, Grandeza o Valor, Prudencia, Belleza); abajo, Himeneo ahuyentando la Furia y la Malicia.

El tapiz forma parte de una serie dedicada a los cuatro elementos (la Alegoría del Aire, colocada en la pared opuesta y las Alegorías de la Tierra y el Agua, expuestas en el Salón de los Embajadores), realizada en las fábricas reales francesas de Gobelinos y de celebración del Rey Sol (Saint-Germain-en-Laye, 5 de septiembre de 1638 - Versalles, 1 de septiembre de 1715). Fue donado al Nuncio Apostólico en la corte napolitana en 1719.

En primer plano a la izquierda en el Tapiz con fuego, tela de lizo alto (marco vertical), Vulcano y el Cíclope, frente a una cueva, intentan forjar armas y herramientas en el yunque, mientras que al fondo el Etna está en erupción. . Júpiter, con Venus y Cupido, domina las nubes y porta un escudo con las figuras del rey Luis XIV. Magis ipso fulmine terret (aterroriza más que el propio rayo) es el lema del escudo. En el marco, armas, herramientas, jarrones de metal, en la parte superior el escudo de armas del Rey Sol, y en la parte inferior una inscripción alabandolo.

La obra retrata, de joven, a María Carolina, hija de Francesco di Borbone y María Clementina de Austria, nacida en el Palacio Real de Caserta en 1798 y casada en 1816 con Carlo Ferdinando duque de Berry, segundo hijo del futuro Carlos X. de Francia, con una ceremonia que tuvo lugar en la misma Capilla Palatina del Palacio Real de Nápoles.

La base de la escultura, en porcelana bleu de roi, con decoraciones doradas, lleva el monograma de la princesa napolitana: “MC” entrelazado y sujeto a una corona ducal; mientras que bajo el brazo izquierdo la marca comercial de la manufactura “D. DENUELLE / A PARÍS".

De elegante factura son el vestido y el elaborado peinado, particularmente notorios en la dirección de la obra, donde una larga trenza gira varias veces en serpentina sobre la parte superior de la cabeza, cruzándose con una banda adornada con gemas y cuentas.

La porcelana se puede fechar entre 1824 y 1828, años en los que la Princesa, ante la falta de hijos del rey Luis XVIII, fallecido en 24, encarnó la esperanza de un legítimo heredero para los últimos Borbones de Francia, habiendo dado a luz en 1820 Enrique, conde de Chambord.

En la mitología romana, de origen griego, Proserpina hija de Ceres es raptada por Plutón mientras recoge flores en un prado, en las laderas del Etna, y llevada al Inframundo. En la escena central del tapiz vemos a la niña agarrada por Plutón y arrastrada en un carro dorado hacia el corazón de la Tierra, que se abre en llamas bajo las patas de un caballo blanco.

En la rica cenefa superior, se representan el Fénix, ave mágica que resurge de sus cenizas, y la Salamandra, que resiste a las llamas y es también símbolo de la Justicia.

El tapiz está destinado a representar la alegoría del Fuego: de hecho, fue encargado en 1762 para completar una vestidura sobre el tema de los Cuatro Elementos - Aire Agua Tierra Fuego - iniciada ya en 1739 por la Reale Arazzeria di S. Carlo alle Mortelle , bajo la dirección de Domenico Del Rosso.

El Rapto de Proserpina se realizó con el asesoramiento de Luigi Vanvitelli, quien eligió como autor de la caricatura a Gerolamo Starace Franchis, pintor solimenesco que había pintado la bóveda de la Escalera del Palacio Real de Caserta.

Desde un punto de vista técnico y estilístico, esta obra representa un punto de inflexión en la actividad de la Manufactura, por el uso de la técnica del lizo alto, con telares verticales, introducida por Pietro Duranti, y por el papel asignado a los aspectos figurativos, para lo cual, más que recuperar imágenes de estampas o repertorios, se encargaron cartones al óleo a los mejores artistas del momento.

El único retrato oficial del Príncipe de Nápoles, futuro rey Vittorio Emanuele III, expuesto permanentemente en el camino del Palacio Real.

El heredero al trono de la Casa de Saboya, hijo de Margherita y Umberto I, está representado a la edad de cinco años en una terraza que se abre a una vista típica de la ciudad napolitana con el Vesubio humeante de fondo. Esta representación tradicional de la imago urbis napolitana se convierte en una constante en la iconografía del príncipe, para subrayar su fuerte vínculo político y afectivo con la ciudad que lo vio nacer en 1869.

El niño, con el pelo peinado "a la Umberto", es decir, con un corte corto inspirado en el de su padre, y con el ceño fruncido, viste un traje de gala de terciopelo azul oscuro, con elegantes bordados en puños, cuello y rodillas. En la moda del renacimiento también parecen recordar los calcetines negros y los zapatos con adornos en la puntera. Sobre la mesa, cubierta por un mantel con un escudo de los Saboya, están colocados un globo terráqueo y un mapa de la Italia Unida, indicando los estudios del príncipe.

Será Vittorio Emanuele III quien venderá el Palacio Real de Nápoles a la Propiedad del Estado en 1919.

La pintura, procedente de la colección Farnese, anteriormente formaba parte de los bienes de la familia Sanseverino de Parma que, en 1612, fueron condenados a muerte y confiscación de sus bienes por una conspiración contra Ranuccio I Farnese, duque de Parma y Piacenza.

Durante los levantamientos revolucionarios napolitanos de 1799, el panel aparece en la lista de obras incautadas por los franceses. Recuperado por las tropas borbónicas, fue trasladado al Palacio Real de Francavilla en Chiaia (actual palacio de Cellammare). En 1874 fue inventariado en el Palacio Real.

El cuadro del Palacio Real es una de las muchas versiones del tema de los “avaros” realizadas por el artista. Entre los más famosos están los del Prado (1538), de Munich, Varsovia y el del Museo del Hermitage en San Petersburgo.

Más que un retrato, el cuadro puede definirse como una especie de escena de contenido moral, en la que se retratan dos recaudadores de impuestos, o mejor dicho, un tesorero y su empleado, el recaudador de impuestos, que muestran una actitud opuesta hacia el dinero que administran. : uno serio y objetivo, el otro rapaz en fisonomía y gesto. El autor, como puede verse en la obra, era un amante de los detalles curiosos y extravagantes, y fue creador de una serie de retratos de personajes en plena faena, representados en el límite de la caricatura.

El Reloj de Órgano de Charles Clay, fechado en 1730, es el elemento más importante y antiguo de la colección de relojes del Palacio Real de Nápoles.

La máquina Palazzo Reale tiene una caja en forma de santuario, en plata perforada, con una puerta de vidrio, coronada por una urna con ocho piñas en los lados. La esfera lleva las horas marcadas con números romanos, los minutos, cada cinco, con números arábigos y las medias horas con pequeñas azucenas estilizadas. Los dos orificios de carga también son evidentes. El frente de la caja es de cobre pintado al óleo con aplicación de bajorrelieves y altorrelieves en plata que perfilan la escenografía de un templo, en cuya parte superior se representa un concierto de músicos celestiales con extremidades móviles.

El reloj es un reloj de péndulo, mientras que en el interior de la caja las partes del órgano mecánico, compuesto por 51 tubos, están soportadas por un marco. Georg Friedrich Händel fue colaborador habitual de Clay y fue el responsable de la música programada en el cilindro del órgano. Se trata de cinco adaptaciones de pasajes extraídos de obras de Handel interpretadas en Londres entre 1727 y 1729 (Lotario, Siroe rey de Persia y Ricardo I rey de Inglaterra) y cinco piezas, aún no identificadas, probablemente compuestas especialmente para Clay.

El cuadro retrata el regreso a Nápoles de Fernando I de Borbón que se produjo el 17 de junio de 1815 tras unos diez años de exilio en Palermo, debido al dominio de los napoleónicos.

La fachada del Palacio Real domina la escena con la bandera borbónica ondeando en el reloj, mientras la corte festiva observa desde los balcones el desfile militar que acompaña la entrada del rey en el Largo di Palazzo. En la planta baja del monumental edificio se nota la ausencia de las estatuas que actualmente lo adornan. De hecho, estos se colocaron solo en el período de Saboya, en 1889, dentro de los nichos creados por Luigi Vanvitelli a mediados del siglo XVIII cuando, por razones estáticas, el arquitecto tapiaba alternativamente los arcos de lo que originalmente era un pórtico continuo.

El primer piso está dominado por la multitud que ha venido a presenciar el acto, en fila detrás de la guardia del rey, con los oficiales portando ramas de mirto en las bayonetas.

Al fondo de la obra se puede admirar la aún erigenda Foresteria Borbonica (sede de la Prefectura desde 1861), mientras que a la izquierda se pueden ver las formas de una monumental estructura escenográfica efímera adornada con una fuente y con la estatua de Fernando I como un antiguo romano, de Antonio Canova, actualmente en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

La chimenea de mármol blanco, de estilo neoclásico, tiene un friso ricamente tallado, sostenido por dos pares de columnas estriadas, rematadas por capiteles compuestos. La boca de la chimenea está enmarcada por un marco con racimos vegetales.

El friso tiene una decoración en bajorrelieve con trofeos militares a los lados de acuerdo con el tema decorativo de la bóveda del siglo XVIII y, en el centro, una reproducción del mosaico que representa la "Batalla de Issus", encontrado en Pompeya y ahora expuesto en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. .

La recuperación del hallazgo arqueológico atestigua el interés de los Borbones por las antigüedades de Herculano y Pompeya, cuyas excavaciones fueron iniciadas por el rey Carlos. El mosaico, de grandes proporciones (582x313 cm), datado hacia el año 100 a. C., fue encontrado el 24 de octubre de 1831 en la casa del Fauno, en el pavimento de la exedra que separa los dos peristilo de la domus. Las obras de modernización del Palacio Real, iniciadas en 1838, se inspiran por tanto en los descubrimientos de las excavaciones contemporáneas.

El mosaico representa la famosa batalla de Alejandro Magno contra Darío III de Persia, que tuvo lugar en Issus (Turquía) en el año 333 aC, y que terminó con la derrota del ejército persa. Como en el mosaico, el friso del Palacio Real muestra al líder macedonio (hoy decapitado) a caballo, en el acto de perseguir al emperador persa sobre el carro, pero enfrentándose al enemigo con su lanza afilada. Entre los dos protagonistas, una maraña de lanzas, soldados y caballos, enmarcados por alas arbóreas.