A l'occasion du Prix Lissone 2018 , le Jury composé de Marco Meneguzzo, Demetrio Paparoni et Alberto Zanchetta avait décerné le " Prix MAC" à Alexis Harding , une reconnaissance qui lui a permis d'envisager une exposition personnelle au Musée Lissone. L'exposition, qui a lieu deux ans plus tard, met en lumière la densité et l'intensité chromatique de l'artiste . Grâce à une pratique de repenser les limites de la peinture, l'artiste redéfinit l'épiderme de la peinture qui, tout en perdant son adhérence à la toile, acquiert une plus grande adhérence au réel.

Le travail de Harding est une combinaison de stratégie, de contrôle, d'irrationalité et d'abandon-non. Représentant de premier plan de la soi-disant " peinture de processus ", l'artiste explore et célèbre les intersections entre l'abstraction et la représentation en soumettant les œuvres à une tension physique singulière qui les harnache et les étire jusqu'au point de rupture.

Au rez-de-chaussée du Musée, Harding a créé une série d'œuvres qui reflètent un modus pingendi qui reste poreux et flexible, comme s'il était toujours en cours. Les peintures sélectionnées pour sa première exposition dans un musée italien se concentrent (de manière presque obsessionnelle) sur la surface et la structure de la peinture. Comme l'artiste tient à l'expliquer : « Je veux soumettre la peinture à une série de forces physico-comportementales, déclenchant des mouvements et des interruptions qui établissent un point de départ, central et fondamental dans mon travail. Ces peintures sont turbulentes et délicates, elles absorbent et laissent entrer le monde en elles. Pour l'occasion, j'ai tenté de sélectionner un corpus d'œuvres puisant dans un vaste éventail d'idées et d'images. Bien que j'essaie de suivre et de guider ces œuvres, elles résistent à mon contrôle et au final elles parviennent à trouver un chemin différent, leur propre chemin : ce sont des peintures qui « ne finissent jamais », elles sont toujours inachevées, elles continuent d'exister dans le cadeau ".

Alexis Harding travaille par superposition : l'apprêt est obtenu avec une couche de base qui mélange de la peinture à l'huile avec de grandes quantités d'huile de lin, une solution qui nécessite de longs temps de séchage ; puis l'artiste applique une peinture industrielle à séchage rapide (ces dernières années il utilise une bombe de peinture) qui durcit en quelques heures. Le procédé permet d'obtenir une surface aussi complexe qu'entrelacée, qui est ensuite découpée, déplacée et traînée pour donner lieu à la peinture proprement dite. Cette gestation permet à l'artiste d'éprouver un « sens palpable de la découverte », à la recherche d'une élégance formelle qui corresponde à la clarté et à l'exubérance de la couleur.

La métapeinture de Harding coïncide avec la métaphore de la « rupture » et de la « destruction ». Les peintures sont marquées par une lenteur obsessionnelle, elles mettent des semaines à se stabiliser, après quoi l'artiste intervient en surface par des gestes instantanés et décisifs. Même si les actions/décisions se prennent en quelques secondes, l'œuvre continue d'évoluer au fil des mois suivants, suite aux glissements de terrain provoqués par la force de gravité (les œuvres existent dans l'instant, mais sont aussi, paradoxalement, figées dans le temps, pour toujours).

Les peintures de Harding ne sont abstraites qu'en apparence . Au fil des ans, son travail s'est appuyé sur des suggestions très larges et diverses impliquant le monde naturel et l'anatomie humaine . Néanmoins, les images restent ambiguës, laissant au spectateur le soin d'établir leur identité et de décider de leur signification. Ce qui est le plus évident dans toutes ses œuvres, c'est l'énergie extraordinaire qui se dégage de la peinture, une énergie qui jaillit des forces et des tensions en jeu.