Il dipinto, entrato nelle civiche collezioni grazie a una donazione del 1936, raffigura una giovane donna con un abito scuro e le spalle coperte da un velo trasparente fermato da una spilla d’oro; privo di ambientazione, il ritratto mostra un tono diretto, intimo e familiare, con la giovane che fissa negli occhi il riguardante accennando un sorriso. Il dipinto, di notevole qualità, è stato accostato alla produzione del grande Francesco Hayez: la sapiente orchestrazione dei colori e il tono intimo e sentimentale ben si collocano nella produzione del veneziano intorno al 1825-35. Riguardo alla giovane ritratta, potrebbe trattarsi di Carolina Zucchi, la donna con cui l’Hayez instaurò un’appassionata relazione amorosa e che il pittore ebbe modo di raffigurare in numerosi dipinti tra il 1825 e il 1835, anche nelle vesti di personaggi storici in dipinti dell’artista, tra cui L’ultimo bacio dato da Giulietta a Romeo (1823).

Si tratta di una tradizionale composizione di natura morta seicentesca: soggetto molto in voga all’epoca, il tema della natura morta si presta a infinite varianti destinate a valorizzare le capacità tecniche dell’artista nella resa mimetica della realtà. Nel dipinto monzese, pervenuto al museo grazie a un’importante lascito ereditario del 1923, colpisce la figura dell’anatra riversa, accanto a una beccaccia e ad altri volatili e frutti disposti su una cesta in vimini. L’opera fu esposta in Pinacoteca nel 1935 come produzione della scuola cremonese del XVII secolo; in vista della riapertura al pubblico dei Musei Civici nel 2014 è stata sottoposta ad un importante intervento di restauro che ha consentito di riprenderne la piena leggibilità.

Il dipinto interpreta il racconto evangelico della salita al Calvario, con Gesù incoronato di spine caricato della croce da un gruppo di sgherri che gli si accalcano intorno, occupando quasi interamente la superficie del dipinto. Si deve a Federico Zeri nel 1984 la proposta di assegnare l’opera, datandola alla fine del XVI secolo, a Giovanni Battista Cremonini, pittore originario di Cento e titolare di una scuola. Si tratta di un soggetto molto diffuso nella pittura fra Quattro e Cinquecento con un’intonazione prettamente devozionale: il Cristo portacroce fissa intensamente lo spettatore, coinvolgendolo emotivamente, mentre i soldati che si accalcano intorno a Gesù manifestano uno stile manierista che accentua attraverso le diagonali ed un ritmo quasi rotatorio la dimensione drammatica dell’episodio.

L’opera rientra nel folto gruppo di dipinti realizzati da Mosè Bianchi, il più importante pittore monzese dell’Ottocento, sul tema delle donne in preghiera all’interno di una chiesa. Il soggetto offre lo spunto al pittore per cogliere sia aspetti di genere – il chierichetto che spegne le lampade, gli atteggiamenti e gli abiti delle nobili signore – che allusioni alle tematiche risorgimentali, prive di toni pietistici o melensi grazie alla solidità dell’impianto, alla sapiente modulazione delle luci e ai tocchi di colore che vivacizzano la penombra dell’interno. Il dipinto è ambientato in una chiesa che ricorda per certi particolari il Duomo di Monza, pur non essendone una fedele riproduzione ma piuttosto la libera rielaborazione di un luogo carico di ricordi, evidentemente a lungo frequentato dall’autore.

L’opera è entrata nelle civiche collezioni monzesi grazie all’importante lascito della famiglia nel 1992: Guido Cinotti è stato un valido pittore toscano attivo sul finire dell’Ottocento e i primi decenni del Novecento, autore prevalentemente di paesaggi e nature morte. Aderì per un periodo al Divisionismo, come dimostra il quadro monzese: il soggetto alpino – un valico reso con una vista prospettica centrale della strada coperta di neve – consente a Cinotti di applicare la tecnica della stesura filamentosa del colore, con brevi tocchi accostati che esaltano luce e colori con una altissima qualità tecnica. Il tema fu affrontato da Cinotti anche in anni successivi, come dimostra la versione conservata alla Galleria Ricci Oddi di Piacenza.

L’opera è entrata nelle civiche collezioni monzesi grazie all’importante lascito della famiglia nel 1992: Guido Cinotti è stato un valido pittore toscano attivo sul finire dell’Ottocento e i primi decenni del Novecento, autore prevalentemente di paesaggi e nature morte. Aderì per un periodo al Divisionismo, come dimostra il quadro monzese: il soggetto alpino – un valico reso con una vista prospettica centrale della strada coperta di neve – consente a Cinotti di applicare la tecnica della stesura filamentosa del colore, con brevi tocchi accostati che esaltano luce e colori con una altissima qualità tecnica. Il tema fu affrontato da Cinotti anche in anni successivi, come dimostra la versione conservata alla Galleria Ricci Oddi di Piacenza.

Anselmo Bucci è uno dei pittori più importanti rappresentati nelle collezioni del museo: nativo di Fossombrone, visse buona parte della sua esistenza a Monza, dove mosse i primi passi come pittore e dove morì nel 1955. Il pittore ebbe un ruolo chiave nell’esperienza di Novecento Italiano, da lui fondato insieme a Dudreville, Funi, Sironi, Oppi, Malerba e Marussig ma da cui si distacca nel ’29, proseguendo la sua ricerca in autonomia. Il dipinto rappresenta un Anselmo Bucci maturo e pienamente consapevole del ruolo ormai assunto nel panorama dell’arte italiana di quegli anni: si raffigura entro un ovale di tre quarti, in veste d’artista, lo sguardo deciso e sicuro. Sullo sfondo, indefinito ma illuminato a sinistra da una finestra, si riconosce una figura femminile.

Nel 1881 Pompeo Mariani compie un viaggio in Egitto in cui si lascia affascinare dai colori e dalle tradizioni della cultura nordafricana, come si evince da questa veduta della campagna alle periferie del Cairo, lungo il corso del Nilo: la strada sterrata che si snoda prospetticamente in profondità è percorsa da alcune donne che portano anfore per l’acqua, mentre sul fiume si notano le tradizionali imbarcazioni dalle vele bianche. Come in numerosi altri casi legati al viaggio in Africa, anche questo quadro fu realizzato al rientro in Italia, rielaborando gli schizzi tratti sul luogo e le suggestioni dei ricordi personali. Il dipinto denota la conoscenza delle opere e dei tagli compositivi di De Nittis, incentrati sul motivo della strada prospettica e degli elementi che raccordano sapientemente il primo piano e il paesaggio sullo sfondo, unificati dall’utilizzo sicuro di luci e colori.

La grande tela rappresenta uno dei lavori di maggior impegno di Emilio Borsa, attento osservatore della realtà rurale ancora presente sul finire dell’Ottocento ai margini del centro storico della città. In questo caso il Borsa coglie un attimo di vita quotidiana presso i mulini allora esistenti lungo il Lambro nella zona del convento delle Grazie Vecchie, area poi completamente stravolta dagli insediamenti successivi alla fine della seconda guerra mondiale. L’opera gode, grazie anche a un recente restauro, di una qualità cromatica altissima valorizzata dal sapiente uso delle luci e dei riflessi sull’acqua, mentre l’indagine sulle figure femminili colte nello svolgimento di quiete attività quotidiane si colloca nel filone del naturalismo ottocentesco ben presente nella produzione artistica monzese dell’epoca.

La grande tela costituisce uno dei capolavori del pittore monzese Eugenio Spreafico: lungo una strada sterrata di campagna, segnata dai solchi delle ruote dei carri, avanza verso l’osservatore un gruppo di giovani donne che, terminato il lavoro, rientrano al tramonto alle loro abitazioni. Spesso considerato una sorta di “Quarto Stato” al femminile, il dipinto evoca la realtà monzese di fine Ottocento, calata nel clima di attenzione al dato reale e al dinamismo sociale dell’epoca, privo tuttavia di risvolti polemici o di denuncia come sempre nella produzione dello Spreafico, attento osservatore dallo sguardo partecipe. L’opera fu esposta per la prima volta nel 1895 a Genova dove era in vendita per la somma di Lire 3000; si tratta, stando ai commenti dell’epoca, di un soggetto già trattato dallo Spreafico – ma non solo – in composizioni analoghe degli anni ’80 del XIX secolo, ripreso successivamente a testimonianza della fortuna iconografica del modello delle lavoratrici che avanzano cantando.

L’affresco, strappato e riportato su tela, rappresenta il momento in cui Maria stringe tra le braccia il corpo esanime del Figlio deposto dalla croce, mentre la Maddalena piange reggendo le gambe di Gesù e Giuseppe di Arimatea porta al volto la mano del defunto. Accanto al gruppo dei dolenti appare la figura – incongrua in base al racconto evangelico – di san Giovanni Battista, riconoscibile dalla veste di peli di cammello. Ai piedi del gruppo, in particolare evidenza, un chiodo e la corona di spine che, insieme alla presenza del Battista, rimandano alla collocazione monzese del dipinto: il Battista è infatti il patrono della città, mentre gli strumenti della Passione alludono alle reliquie venerate in Duomo, in particolare al Santo Chiodo custodito nella Corona Ferrea. L’affresco proviene dalla Casa degli Umiliati – oggi sede del museo – da dove fu strappato nel 1932 quando l’edificio era adibito a sede della Regia Pretura; al momento del distacco se ne attribuiva la paternità a Simone Peterzano, ma a seguito di successive ricerche e confronti stilistici è molto più plausibile che l’autore dell’affresco sia Giuseppe Meda, attivo in quegli stessi anni nel vicino Duomo di Monza. Il dipinto è caratterizzato dai modi eleganti di un disegno di gusto manieristico, con calibrata evidenza dei gesti e delle espressioni e rimandi a modelli michelangioleschi.

Simone Pellegrini attualizza nella sua opera un linguaggio espressivo primordiale, carico di una forza ancestrale che evoca la pittura rupestre in una rappresentazione fortemente enigmatica. L'artista di Ancona elabora un alfabeto di segni che mantengono intatta una carica quasi magica e che, al contempo, comunicano un continuo dinamismo. Come in pieno Ottocento si assiste con il Primitivismo al ritorno di un impianto figurativo legato agli affreschi dei primitivi italiani, così Pellegrini dà nuova vita nel XXI secolo ad un linguaggio di paleolitica memoria riletto in chiave contemporanea, dove uomini e animali stilizzati si mischiano con effetti di raffinato decorativismo grafico che rinuncia al cromatismo vivace evocando pareti spoglie di roccia incise da solchi netti. L’opera proviene come premio-acquisto dalla mostra “SerrOne Biennale Giovani Monza 2005”.

Firmato dal grande scultore lombardo protagonista della scena artistica della seconda metà dell’Ottocento, il pezzo rappresenta una giovane nobildonna, elegantemente abbigliata, con i capelli raccolti e un abito di pizzo su un corsetto stretto sul busto e decorato da mazzolini di fiori. Sulla spalla della donna si posa un uccellino che tiene tra le zampe un foglietto arrotolato, da cui la denominazione di «messaggero d’amore», visto che la giovane sembra volgere il capo verso l’animale come in ascolto, con sguardo pensoso e malinconico. La donna indossa anche un doppio giro di perle chiuso da un cammeo con un giglio e orecchini di perle, secondo la moda dell’epoca. Non esistono al momento elementi certi per identificare l’effigiata: il pezzo tuttavia proviene da un deposito della Villa Reale di Monza frequentata, a partire dal 1868, dall’allora principe Umberto di Savoia e dalla consorte Margherita; data l’elevata qualità stilistica dell’opera e la provenienza si potrebbe trattare di una rilettura in chiave romantica di un’immagine della principessa Margherita o di un membro della famiglia.

La grande tela raffigura una veduta della Strada Ferdinandea (così denominata in occasione della visita a Monza di Ferdinando I d'Asburgo, ribattezzata poi Via Vittorio Emanuele in onore del primo re d’Italia), realizzata fra il 1838 e il 1847 sventrando e rettificando un tessuto urbano medievale nel pieno centro storico della città. La strada, parte del percorso militare austriaco verso il passo dello Spluga, appare affiancata da una cortina di sobri edifici ottocenteschi, alcuni dei quali ancora in costruzione; la veduta è presa da sotto i portici dell’Arengario, il medievale palazzo comunale di Monza, dove il pittore immortala con minuzia di particolari una serie di “quadretti” di vita quotidiana, descritti con quel tono elegante e misurato che fece dell’Inganni uno dei più apprezzati autori di vedute urbane nella Lombardia di metà ‘800.

Il gruppo monumentale raffigura il mito di Giove che, per conquistare la giovane Leda figlia del re di Sparta, si trasforma in cigno. Dall’unione con il dio nascono due uova, dalle quali vennero alla luce Castore e Pollùce, i Diòscuri, oltre a Elena di Troia, sposa di Menelao, e Clitennestra, sposa di Agamennone fratello di Menelao. Arturo Martini – uno dei massimi interpreti della scultura italiana del XX secolo – presentò il gesso della Leda nel 1926 alla 1^ Mostra del Novecento Italiano tenutasi a Milano; da questo gesso fu tratta poi la scultura in pietra serena esposta nel 1930 alla IV Esposizione di Arti Decorative di Monza, nel periodo in cui (1929-1931) lo scultore insegnava presso il locale Istituto Superiore per l’Industria Artistica (ISIA). L’opera è caratterizzata da una solida ricerca volumetrica che, grazie alla linearità delle scansioni e alla saldezza della costruzione geometrica, resa leggera dai passaggi chiaroscurali, la rende subito un’icona, studiata e riprodotta in numerose occasioni. Ben inserita nella produzione del maestro degli anni Venti, alla luce delle contemporanee ricerche artistiche in Italia la Leda guarda alla scultura primitiva, alla purezza romanica delle forme, alla sintesi arcaica che attualizza la dimensione fiabesca del mito.