Am Anfang gab es keinen Plan, keine bewusste Entscheidung, in den Bergen zu fotografieren. Es ging nicht darum, wie in Japan Momente oder Kulturen festzuhalten, sondern um den einfachen Wunsch, die stille, unberührte Natur zu bewahren.

Die alten Kameras auf die Gipfel zu tragen – frei von digitaler Technik und überflüssigem Equipment – fühlte sich wie eine Rückkehr zu den Ursprüngen an. Wenn Menschen vor hundert Jahren dieselben Wege gegangen sind, empfinde ich es als Pflicht, ihnen Tribut zu zollen. In dieser Einfachheit liegt eine Intensität, die in unserer schnellen Welt oft verloren geht.

Natürlich brachte dieser Weg Herausforderungen mit sich: eisige Temperaturen, eingefrorene Verschlüsse, das Gewicht der 4x5-Zoll-Plattenkamera. Ohne Belichtungsmesser war das Licht oft ein Rätsel, und nach langen Aufstiegen war die Wahrnehmung nicht immer klar. Jede Aufnahme brauchte Planung und Ruhe.

Mit der Zeit nahm das Projekt Gestalt an. Immer dabei: die 4x5-Zoll-Kamera mit Stativ und drei Filmhaltern sowie eine kleinere Kamera – meist die Lubitel 166 Universal oder die Kodak Retinette 1a. Sechs Großformataufnahmen pro Tour bedeuteten bewusstes Arbeiten: Kamera aufbauen, Ausschnitt wählen, Licht lesen, auslösen. Dann alles einpacken und weiter zum nächsten Gipfel.

Am Ende wurde klar: Mit möglichst wenig Technik zu arbeiten schafft die größte Nähe zur Natur, zum Moment und zur eigenen Wahrnehmung – ein Prinzip, das den Kern dieses Projekts bildet und schließlich zum Titel der Ausstellung führte: Slowdown.