Le tableau est inspiré des Métamorphoses d'Ovide. A gauche on trouve la scène dans laquelle Apollon s'apprête à tuer le serpent Python, dont on ne distingue cependant aujourd'hui que la figure d'Apollon, l'arc tendu, prêt à infliger le coup de grâce au monstre qui devait être placé dans devant lui. Continuez vers la droite où, au centre en arrière-plan, se déroule la dispute entre Apollon, sur terre, et Cupidon, dans le ciel sur un nuage. Apollon se vante de son récent exploit et dénigre les capacités du garçon Cupidon en tant qu'archer; il décide de se venger en tirant à Apollon la flèche qui le fera tomber amoureux de la première fille qu'il verra. Une autre flèche est préparée avec la pointe à l'envers afin de mettre en fuite l'amour de la femme qui sera frappée : la nymphe Daphné. Apollon se met à chasser Daphné qui, se voyant atteinte, invoque l'aide de son père le dieu-fleuve Pénée, (peut-être le fleuve même qui coule sous le pont). Sa prière est exaucée et elle est représentée en train de se transformer en laurier.

Cette œuvre est la seule de sa collection, que le marquis Manfredini a fait peindre (il a lui-même procuré le panneau de noyer au peintre). Le sujet vient de la mythologie grecque : il fait référence à l'accident de chasse dans lequel Céphale tue par erreur son bien-aimé Procris. Tandis que le malheureux héros tente en vain de colmater la plaie causée par sa lance, Cupidon pleure en arrière-plan la fin d'un amour troublé.

Pénélope est au métier à tisser avec l'intention de tisser cette toile avec laquelle elle a temporisé devant les demandes en mariage des prétendants qu'elle avait promis de ne considérer que lorsque la toile serait terminée. Il est possible que le sujet ait été choisi comme modèle de fidélité nuptiale et envoyé à la future mariée à l'occasion de la stipulation du contrat de mariage (ceci serait également attesté par le bas-relief sous le cadre, dans lequel certaines femmes vont pour obtenir les broches à filer).

Selon une autre interprétation, cependant, la posture solennelle de la femme, le visage froid et le bras qui semble tenir une tige plutôt qu'un cadre semblent s'inspirer de quelque modèle de statuaire antique. Aussi le bas-relief représenté à droite montre probablement Minerve qui, dans des vêtements plus virils que la figure debout, enseigne aux filles l'art du tissage. De plus, la toile est violette alors que, comme nous le savons des sources, le linceul de Laërte tissé par Pénélope était de couleur blanche. En revanche, si, dans l'attente d'une confirmation ultérieure, le panneau faisait partie de la série Petrucci, le sujet traité serait pertinent pour le programme du cycle basé sur les mythes relatifs à la fondation mythique de la ville de Sienne.

Un ange émerge dans une splendeur de lumières parmi les nuages du ciel nocturne pour donner aux bergers l'annonce de la naissance de Jésus le Sauveur. Un seul d'entre eux lui accorde immédiatement une attention tremblante ; les autres dorment encore ou s'occupent de s'occuper des animaux.

Cet humble monde pastoral - que Jacopo Bassano et son atelier connaissent bien et mettent au premier plan du grand art - est le premier récipiendaire de la plus étonnante des nouvelles : Dieu s'est fait homme. Dans l'obscurité de la nuit, symbole du mal et du péché, un simple berger se laisse attirer par la lumière nouvelle, suivi derrière lui par une brebis qui relève la tête : c'est le premier de ce nombreux troupeau de fidèles que le Fils de Dieu est venu pour recueillir.

Trois très longues échelles permettent à trois hommes en robe étriquée, plus un quatrième en habit moderne (peut-être un autoportrait du peintre lui-même), de descendre de la croix le corps livide et sans vie du Christ. Son sang a été entièrement versé par amour et maintenant il semble s'être déplacé symboliquement dans le manteau rouge de Jean : c'est le disciple qui est resté sous la croix jusqu'à la fin et a recueilli le témoignage de l'eau et du sang qui sont venus du côté de Jésus. .

Dans le coin gauche, Marie s'évanouit soutenue par les femmes pieuses ; à droite sur le sol gît le corps gisant de l'un des brigands, tandis que l'autre est emporté sur l'épaule par un homme de peine. Dans le calcul du jour juif, le coucher du soleil commence le jour du sabbat et pour ne pas exposer les corps à la solennité de la Pâque qui va commencer, il faut donner rapidement l'inhumation.

Le peintre y fait allusion en insérant le ciel coloré par les lumières du coucher du soleil en arrière-plan et en laissant entrevoir la porte du sépulcre.

Cette image du visage du Christ est probablement inspirée de la légende dite d'Edesse.

Francesco del Pugliese, marchand et mécène florentin, acheta le panneau central de la main flamande et commanda les deux portes latérales à Filippino Lippi. Lippi dans ces années (1487-1502) peint à fresque la chapelle de San Giovanni Evangelista dans SM Novella à Florence pour Strozzi. Cela a probablement influencé le choix des sujets tirés de l'évangile johannique.

Sur la gauche , Jésus rencontre la Samaritaine au puits . Dans le panneau de droite, la rencontre entre Marie-Madeleine et Jésus a lieu dans le jardin du sépulcre.

L'œuvre est presque composée en juxtaposant des coupures de "découpage" des œuvres de Léonard. L'Enfant est une reprise littérale de celle de La Vierge aux Rochers (conservée au Louvre), tandis que la tête de Joseph rappelle les études de dessin que Léonard a menées sur la figure humaine.

Jérôme est agenouillé pour étudier et traduire l'Ecriture Sainte, lorsqu'une voix du ciel l'appelle (symboliquement représenté par une trompette) qui le fait se retourner et regarder vers le haut. Il fait référence à un épisode de sa vie : une vision qu'il eut lors de son premier voyage en Palestine, relatée dans une lettre du même saint à Eutychius : « Soudain, je fus saisi en esprit et traîné devant le siège du juge... Je on m'a demandé de déclarer mon état et j'ai répondu que j'étais chrétien. Mais le Président a dit: "Tu mens, tu es Cicéronien, pas chrétien. Car là où est ton trésor, là sera ton coeur" ... En jurant j'ai fait appel au nom du Seigneur: "O Seigneur, si jamais j'ai livres à nouveau mondains ou je les lirai, je vous aurai refusé"" (Girolamo, éd. 1980, pp. 125-129).

La Vierge sur le trône tient l'Enfant sur ses genoux qui est pris en flagrant délit de couronnement Sainte Eulalie, patronne de Barcelone, martyrisée très jeune au IVe siècle en Espagne. Derrière la sainte apparaît la croix en "X", l'un de ses attributs iconographiques : après le martyre, en effet, le corps sans vie d'Eulalia a été exposé sur une croix en guise d'avertissement à ceux qui entendaient continuer à se déclarer chrétiens. On ne sait pas encore comment l'œuvre de ce peintre catalan est arrivée à Venise, il est clair seulement qu'elle a été donnée au Séminaire en 1925.

Le saint est en habit liturgique et son auréole est ornée de caractères presque coufiques. Il tient un livre sur lequel reposent les trois sphères dorées, stylisation des porte-monnaie avec lesquels, selon la légende, il sauva de la prostitution les trois filles d'un noble déchu en leur offrant les sommes nécessaires pour préparer la dot de chacune d'elles . , si vite devenues mariées.

La Vierge, assise sur le trône, tient dans ses bras l'Enfant Jésus qui s'adresse au spectateur bénisseur, debout et nu : Agenouillé, se tient un abbé bénédictin qui a posé sa mitre sur la marche du trône : c'est peut-être Carrier Trévisan, mais d'autres l'identifient à Abbot Canal. A gauche, saint Cyprien, propriétaire de l'abbaye, en habit d'évêque tenant la crosse. Le compartiment droit porte Saint Benoît, fondateur de l'ordre religieux qui a vécu dans l'abbaye de Murano. Les deux saints sont enveloppés dans de somptueux manteaux brodés, ornés de perles et fermés par des broches ornées de bijoux. Au-dessus du panneau central, un croissant fortement repeint représente le Père Éternel entouré d'anges.

Le groupe de marbre ne représente qu'un mage qui offre un don à l'Enfant Jésus, le reconnaissant comme Fils de Dieu ; Marie, couronnée comme une reine, représente l'Église mère sur les genoux de laquelle le Christ règne en empereur sur le trône et bénit quiconque s'approche de lui. Saint Joseph s'habille comme un voyageur médiéval et, la main sur le visage, médite sur le côté de la scène , mais il est prêt à partir pour l'Egypte pour sauver l'Enfant et sa Mère, le libérant de la menace d'Hérode qui veut le tuer.

Le père Giannantonio Moschini (1842) dit que l'œuvre a été "donnée" au Séminaire par Don Fortunato Maria Rosata, alors chancelier patriarcal. Les études critiques s'accordent désormais sur l'hypothèse que la sculpture était à l'origine polychrome et appartenait à un cycle sur la Nativité conçu pour la basilique Saint-Marc. Le rendu des détails est exceptionnel ; la sculpture de grande valeur est attribuée par affinité stylistique au soi-disant Maître des Mois de Ferrare (actif au début du XIIIe siècle).

Comme le buste de Pietro Zen, ce chef est venu au séminaire comme un cadeau de la noble comtesse Chiara Zen Carlotti.

Cette tête de Christ est une copie du célèbre "Volto Santo" qui est un crucifix-reliquaire toujours vénéré à Lucca à l'intérieur de l'église de San Martino. Vers 1360-1365, des marchands de Lucca, qui vivaient à Venise, construisirent leur propre chapelle dans le couvent des frères Serviti à Cannaregio.