Il dipinto raffigura l’episodio di Susanna e i Vecchioni, riportato nel Libro di Daniele nel Vecchio Testamento: due anziani si avvicinano a Susanna con perverse intenzioni, mentre si appresta a fare il bagno nella fontana del suo giardino e lei li respinge. Questi, indispettiti, la minacciano dicendo che la denunceranno per adulterio, trascinandola in tribunale. La donna resiste alle accuse e viene poi assolta, grazie all’intervento di Daniele, che smaschera i due uomini.

A partire dal Cinquecento il tema di Susanna gode di particolare fortuna, perché, pur rifacendosi ad un tema sacro, esalta la femminilità e la sensualità dell'eroina.
Il dipinto appartiene alla scuola lombarda della seconda metà del sec. XVII e si avvicina stilisticamente ai modi di Giuseppe Nuvolone (1619-1703), membro della famiglia di pittori di origine cremonese, attiva a Milano e in Lombardia.

Collocazione: sala n. 1

Il quadro raffigura l’Allegoria del Tempo Ammonitore: Una giovane e attraente fanciulla (la Bellezza), ritratta mentre sta pettinando i capelli intrecciati con perle (simbolo della purezza) davanti a uno specchio (simbolo della vanità), si volge, come colta all’improvviso, ma allo stesso tempo compiaciuta e sorridente, verso un uomo anziano, barbuto, (il Tempo) che, pare giungere all’improvviso alle sue spalle, porgendole un una rosa, allegoria della vita che, come quel fiore, è destinato ad appassire.

La diffusione di questo soggetto profano nel XVII secolo si spiega osservando lo scenario storico in cui si sviluppa l’arte barocca, che esprime il disagio di una società in cui tutto diventava sfuggevole e mutevole.
L’opera è stata attribuita alla cerchia del pittore genovese Domenico Piola (1627-1703), che realizzò un dipinto con il medesimo soggetto, dove identica è la resa degli incarnati leggermente sfumati, i trapassi dal chiaro allo scuro e l’espressione del volto del Tempo.

Collocazione: sala n. 1

Il soggetto della natura morta con tappeto ha notevole diffusione nell’Italia Settentrionale, dalla metà del XVII secolo, dopo essere stato lanciato nelle Fiandre all’inizio del secolo.
L’opera Natura morta con tappeto, del pittore piacentino Antonio Gianlisi, riprende molti stilemi del soggetto fiammingo, che si ritrovano nei tessuti, la cui produzione è tipica delle Fiandre, ma anche nei frutti, simboli della grande potenza marittima della Compagnia delle Indie. Allo stesso tempo questo dipinto richiama le nature morte del pittore bergamasco Evaristo Baschenis, nel modo in cui viene impaginata la composizione pittorica degli oggetti inseriti in quinte costituite da tendaggi damascati e tappeti riccamente decorati.

Gianlisi trae spunto da questi insegnamenti per una rilettura ed una rielaborazione personale del soggetto, usando una tavolozza di colori più accesi, in cui i particolari assumono maggior rilievo rispetto alla visione d’insieme.
Un’altra peculiarità dell’artista è quella di rendere morbidi i panneggi dei tessuti, molto spesso decorati con ori e la fattura delle frange, rese secondo i minimi dettagli, come nelle coeve nature morte fiamminghe.

Collocazione: sala n. 2

Pietro Antonio Luchini è stato un artista molto importante del panorama artistico lombardo del XIX secolo con opere appartenenti alla stagione del ritratto borghese. Ne è un esempio significativo il Ritratto di Clementina Martelli Grillo con evidenti influenze della pittura romantica francese del primo Ottocento.

Fra le numeroso trasferte all’estero, che lo resero famoso in tutta Europa, si segnala il viaggio a Parigi nel 1832 durante il quale fu allievo di François Gérard, uno tra gli artisti preferiti di Napoleone Bonaparte per i suoi ritratti celebrativi. Luchini era anche il pittore personale del pascià di Persia per cui realizzò fini opere encomiastiche.

In questo ritratto la giovane donna è ritratta seduta su una sedia imbottita ottocentesca, vestita con un abito in seta bianca con ampia scollatura e fra le mani raccolte sul grembo tiene delle rose. L’opera è stata donate dagli eredi Martelli Longhi al Comune di Lecco nel 1983 insieme al Ritratto del notaio Luigi Martelli, esposto nella medesima sala.

Collocazione: sala n. 3

Appartenente ad una famiglia di artisti e nipote dello scienziato Antonio Stoppani, Giovanni Battista Todeschini si può ritenere il più importante pittore Lecchese dell’Ottocento.
Si iscrive all’Accademia di Brera, ma completa la sua formazione da autodidatta viaggiando molto e studiando gli antichi maestri.

A cominciare dagli anni Ottanta, si delinea la sua cifra stilistica, come interprete di paesaggi del territorio di Lecco, sua città natale, ma anche di Como e vedute della Liguria.
Intorno alla metà di questo decennio, Todeschini comincia a dedicarsi con assiduità al ritratto, con una serie di studi e disegni preparatori.Celeberrimi il Ritratto di Antonio Stoppani (1891) ed il Ritratto di Lucia Stoppani (1889) sua madre e sorella dello Stoppani, ritratta seduta di tre quarti, con la mano sinistraall'interno di un manicotto, adagiato sull’ampia gonna di tessuto bianco.Il viso è incornicato da un ricco collo di pelliccia, che contrasta con il colore chiaro del pizzo sottostante.

L'artsita sperimenta anche la tecnica dell’affresco, lavorando con Giuseppe Mentessi, nella loggia del Palazzo della Permanente di Milano.

Collocazione: sala n.3

L’opera Porto di Lecco di Massimo Taparelli d’Azeglio influenzò tutta la pittura naturalistica lecchese ottocentesca. Lo statista torinese apprese l’amore per le vedute rurali e la loro copia dal vero dal paesaggista fiammingo Martin Verstappen, di cui fu uno dei pochissimi allievi.
Del D'Azeglio si conoscono parecchie vedute del lago di Como, ma questa è forse l'unica rappresentante Lecco, città che egli doveva conoscere bene, anche in seguito al matrimonio con una figlia del Manzoni, nel 1831.

In quest’opera è raffigurato il bacino del porto di Lecco, ai piedi del monte San Martino, con grandi barche per il trasporto delle merci e molte figure in movimento sulla riva. I toni sono caldi con riflessi dorati tipici della produzione di D'Azeglio.
La presenza delle imbarcazioni e delle persone che lavorano sulla rivadel lago, tornerà spesso in altre vedute della città di Lecco e dintorni, come nella Veduta di Malgrate da Lecco o nella Veduta di Lecco.

Collocazione: sala n.5

Vincenzo Bianchi ha acquistato fama per essere stato il maestro di Carlo Pizzi, il più importante paesaggista lecchese del XIX secolo.
Pittore vedutista e musicante di pianoforte, ha saputo illustrare nelle sue opere il territorio lecchese con grande sensibilità.

In Veduta di Lecco da Valmadrera è raffigurato il bacino del lago di Lecco con la cerchia delle montagne, il lago e, in primo piano, la costa di Valmadrera con una chiesetta a sinistra (forse il Santuario di San Martino); al centro il promontorio di Parè. La sequenza dei monti crea una serie di quinte che definiscono l'orizzonte; il cielo azzurro con nuvole e sfumature rosate, i colori del lago delle case e il paesaggio dai toni verdi e bruni, sono avvolti dalla luce dorata del tramonto.

Collocazione: sala n. 5

Ruggero Panerai, pittore di umili origini, si inserisce all’interno della seconda generazione dei Macchiaioli, a cui rimandano i temi e la tecnica pittorica.
Dal 1877 al 1881 frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze dove è allievo di Giovanni Fattori. Sarà proprio Fattori ad introdurlo alla pittura naturalistica di paesaggio, con particolare riferimento alla Maremma toscana. A questo soggetto Panerai affianca anche temi militari e con animali, oltre ad alcune opere con scene di vita portuale o marinara, arrivando, negli ultimi anni di produzione artistica, ad affrontare soggetti mitologici e dedicandosi anche all’illustrazione di libri.

L’opera Soldati in attesa appartiene ai lavori artistici dedicati agli avvenimenti bellici degli ultimi decenni dell’Ottocento, e richiama le tele di Fattori legate ai combattimenti risorgimentali.

Collocazione: sala n. 5

L’opera Monte Resegone appartiene alla prima fase stilistica della produzione pittorica dell’artista lecchese Carlo Pizzi, caratterizzata dall’uso di una tavolozza chiara e da una pennellata fluida che rende, con grande nitidezza, anche i dettagli.
Il Resegone è qui illuminato dalla luce calda e rosata del tramonto, che investe anche i pendii ricoperti dal verde della vegetazione. Sui declivi si scorge qualche piccolo casolare, anche se l’intera veduta è dominata dalla natura incontaminata dal monte reso famoso dalla “cresta rocciosa” a nove punte che ricorda il profilo di una sega.

Le montagne lecchesi sono tra i soggetti preferiti di Pizzi, affascinato dalla loro natura rocciosa, aspra e selvaggia, e dal suggestivo scenario di questi monti, “nascenti dalle acque del lago”, che incorniciano la città manzoniana.

Collocazione: sala n. 5

Orlando Sora, originario di Fano, si stabilì a Lecco nel 1931, dove dipinse ininterrottamente dedicandosi principalmente al ritratto, al paesaggio, all’immagine sacra per la committenza privata e a grandi cicli di affreschi per quella pubblica. Nel 1951, nella chiesa del Caleotto a Lecco, realizzò Il giorno del Giudizio, cui seguirono il ciclo alle Poste Centrali di Lecco, la Via Crucis alla Chiesetta dei Piani d’Erna, per concludere con il grande acrilico Il Teatro della vita, sulla volta del Teatro della Società.

L’opera La mia famiglia (1933) appartiene alla prima produzione di Sora, in cui si riscontrano, personalmente rielaborati, i canoni della lezione Novecentista, nella descrizione delle forme plastiche e nella composizione per piani. Il grande quadro rappresenta la famiglia dell’artista all’interno del suo studio, con in primo piano la moglie e la piccola Vanna sulle ginocchia. In secondo piano l’artista, intento a dipingere un’opera, che è il riflesso della presente.

"Un quadro nel quadro”, artificio pittorico spesso presente nella storia dell’arte, declinato qui in un’atmosfera intima e quotidiana.
Il dipinto, è stato donato al Comune di Lecco dalla figlia dell'artista, Giovanna Sora, nel 2010, in seguito alla mostra "Orlando Sora. Tratti e ritratti" tenutasi a Villa Manzoni e Torre Viscontea.

Collocazione: sala n. 6 - sala interamente dedicata all'artista.

Raffaele De Grada viene introdotto nel mondo dell’arte dal padre, pittore e decoratore.
In seguito al trasferimento della famiglia in Svizzera, frequenta le Accademie di Dresda e di Karlsruhe. Dal 1919 si stabilisce in Italia, dove, due anni dopo, espone a Firenze, meritando l’attenzione della critica e del pubblico. Partecipa nel ’26 alla Prima Mostra del “Novecento” italiano e nel '29 alla seconda. Questo movimento raccoglieva i più famosi artisti italiani che guardavano come modelli l’antichità classica, la purezza e l’armonia delle forme, ritornando anche ai generi tradizionali. De Grada privilegia il paesaggio naturale, sperimentando nuove soluzioni formali ed espressive, rivolte anche all’interpretazione degli stati d'animo, passando attraverso la lezione di Corot e Cézanne.
La Veduta di Lecco mostra chiaramente l’influenza di quest’ultimo, nella scansione del paesaggio in piani paralleli, nella geometria della composizione e nelle forme delle case, delle montagne e dei declivi, dai colori molto definiti.
L’opera conseguì il secondo premio alla IV Mostra Quinquennale di Lecco, esposizioni agricole- industriali dei prodotti locali, che si susseguirono dagli anni Venti agli anni Quaranta e che nel 1937 ebbe anche un'importante sezione dedicata al Paesaggio lecchese.

Collocazione: sala n.7

L’attività artistica di Augusto Colombo si inserisce nel burrascoso periodo che segue il primo conflitto mondiale durante il quale gli artisti cercarono di tornare al gusto per le cose semplici, dove il volto umano e il paesaggio suscitano una volontà di studio e di ricerca.
Proprio in questo periodo Colombo, comincia a creare alcune opere particolari, caratterizzate dalla centralità delle immagini e dalla cura delle piacevolezze cromatiche. Dopo alcuni viaggi a Firenze, Roma e Parigi, nella sua arte si osserva una preferenza per i valori disegnativi e di composizione. Nelle sue opere inizia a spiccare un’attenzione per l’architettura umana e un linguaggio estremamente essenziale, che in realtà comunica un contenuto più complesso.

Nel 1938 il pittore realizza La laminatura e i suoi annessi disegni preparatori, che sono stati donati nel 2000 al Si.M.U.L.
Il dipinto raffigura una delle fasi di lavorazione del ferro, la forgiatura, tipica attività legata alla storia e alle tradizioni lavorative del territorio lecchese. Gli uomini, con l’espressione della loro fatica, risultano i protagonisti della composizione, attraversata dalla linea incandescente e sinuosa del ferro. Nel dipinto i valori estetici si fondono così con un profondo contenuto umano, come in quasi tutta l’arte di Augusto Colombo.

Collocazione: sala n.7