Ai soggiorni parigini di De Nittis si riferisce questo dipinto, accattivante episodio di vita cittadina legato al "mondo patinato e lussuoso" del milieu altoborghese reso con vivace freschezza espressiva, ben esemplificata nell’accostarsi del pittore pugliese a quei soggetti di genere che proprio in quegli anni a Parigi, e non solo, riscuotevano consensi presso la critica e il pubblico.
L’amazzone, databile intorno alla metà degli anni Settanta dell’Ottocento, è caratterizzata da quell’ "eleganza interiore" che consente all’artista di non scivolare in uno stuccoso bozzettismo: tocchi quasi impercettibili per rendere l’impalpabilità della veletta che nasconde il volto dell’amazzone, appena più spumosi per i pizzi, i ricami e i volant che decorano le vesti per il pelo del cagnolino.
All’artista non sfugge la prospettiva panoramica che il Bois de Boulogne offre fino all’Arc de Triomphe, giù per gli Champs Elysées. Ai forti contrasti cromatici del primo piano l’artista giustappone, con l’intento di esaltarli, i toni dorati e grigio-azzurri di quella veloce fuga prospettica della passeggiata, resa viva da figurette sempre più piccole e abbozzate fino al limite dell’Arco. Un modo di sfondare il dipinto che ricorre in numerose sue opere e che a queste conferisce profondità e respiro.

Il dipinto risale alla seconda metà degli anni Sessanta dell’Ottocento, a quel momento della produzione pittorica di Fattori in cui l’esperienza macchiaiola si rifà al mondo poetico e umano dell’artista.
Soggetti simili a quello qui raffigurato sono ripetuti con variazioni fino alla fine degli anni Ottanta: ricordiamo Bovi al carro del 1867, Maremma Toscana del 1880 circa, fino al Riposo del 1887 ca..
In Buoi in riva all’Arno il soggetto è raffigurato attraverso stesure cromatiche poste in sequenza prospettica: dal bruno-verde del selciato e della vegetazione in primo piano, entro cui è compresa la "macchia" bianca dei bovi, all’azzurro dell’Arno nel piano intermedio; dai verdi degli alberi oltre il fiume, al profilo grigio delle montagne che si stacca dal fondo chiaro del cielo. Il paesaggio risulta così realizzato attraverso l’accostamento di campi cromatici, esaltati da una linea di contorno, volutamente sovrapposta al colore nella zona centrale del dipinto. L’opera appare permeata da un’impressione di calma e silenzio, conferita dall’estrema sintesi cromatica che ordina e costruisce le forme.

Il dipinto venne esposto alla mostra dedicata alle raccolte dei fratelli Frugone in Palazzo Bianco del 1938. E’ qui evidente la predilezione per la tematica orientalistica, come dimostra la scelta del soggetto, avvicinabile alla serie di fanciulle nell’harem o alle diverse odalische raffigurate in dipinti come Il bagno turco e Una donna dell’Oda, entrambi del 1876, o nel disegno a penna Odalisca.
La piccola figura sdraiata sul tappeto arancione (colore molto caro all’artista) è delineata da un tratto sommario che sintetizza le luci, le ombre e i contorni.
L’impatto fortemente emotivo, voluto dal pittore, è raggiunto anche attraverso le scelte cromatiche, come il bianco del lenzuolo che avvolge la fanciulla, ulteriormente esaltato dalla complementarità del blu del cuscino e dell’arancio del fondo.

Medaglia d’oro all’Esposizione di Boston del 1890, anno a cui si può far risalire la sua esecuzione, il dipinto, ricordato anche con il titolo Notissie Nove e La lettura del giornale, raffigura una giovane donna seduta mentre sorseggia una tazza di caffè, durante una pausa dalla lettura del Gazzettino di Venezia. E’ un ritratto femminile impostato con grande abilità ed eleganza, che sembra sottolineare il carattere indipendente del personaggio. Costituisce una felice rappresentazione di una scena di vita quotidiana, borghese ed elegante, costruita con gusto e raffinatezza anche grazie al sapiente uso dei contrasti cromatici (il bianco del giornale, i colori scuri dell’abito, il vivace colore del fiocco).
L’opera raffigura due temi della pittura del tempo, un ritratto e una veduta, quella di Venezia, che si delinea al di là della finestra, sul fondo del quadro.

Datata dall’autore 17 novembre 1904, l’Autunno è una delle numerose tavolette raffiguranti paesaggi nel biellese realizzati dall’artista direttamente dal vero, in preferenza durante la stagione autunnale o primaverile.
Anche nel paesaggio qui raffigurato Delleani rinnova il gusto per una pasta di colore spessa e densa, suscettibile ad essere lavorata con il pennello per dare rilievo alle forme (in questo caso alle nubi), o ad essere quasi incisa, utilizzando la punta della matita sul colore fresco, fino ad ottenere dei solchi (che qui diventano rami d’albero in controluce).

Esposto alla mostra individuale dell’artista organizzata dalla Biennale di Venezia nel 1909, insieme a Porta di Moschea a Brussa e a Porta rossa in Anatolia della collezione di Lazzaro G. B., il dipinto, datato 1869, si inserisce nella serie di studi realizzati dall’artista a Costantinopoli tra il 1867 e il 1869.
Raffigura infatti alcuni velieri battenti bandiera turca ripresi sullo stretto del Bosforo e riportati sulla tela con una tecnica più sintetica rispetto a quella minuziosa di altri studi realizzati dal pittore. Le imbarcazioni, il loro riflesso sull’acqua, il movimentato incrocio degli alberi, dei tiranti delle vele raccolte e delle scale di corda, creano una visione animata che si staglia contro lo sfondo della città, riassunta nel suo profilo, e il chiarore del cielo.
Elemento principale è la luce che sembra sfaldare il colore e accenderlo nei particolari delle rosse bandiere turche mosse dal vento.

Il dipinto venne acquistato da Luigi Frugone dalla signora Campeggi (donna conosciuta nel mercato artistico), grazie alla mediazione di Ferruccio Stefani, nel 1925.
Il soggetto rappresentato è assai frequente nella produzione di Fontanesi: una figura isolata e centrale in un paesaggio ricco di sollecitazioni emotive, elementi tipici di quel dialogo tra figura umana e natura che il pittore affrontò con felici risultati durante tutta il suo percorso artistico. Sia il soggetto sia i modi della rappresentazione richiamano le esperienze pittoriche dei paesaggisti francesi, come Costantin Troyon, Camille Corot e Charles Daubigny, conosciuti dall’artista attraverso il mercante d’arte Victor Branchard e durante i soggiorni a Parigi iniziati con la visita all’Esposizione Universale del 1855.

Proveniente dalla raccolta genovese degli eredi di Giuseppe Bertollo battuta all’asta presso la Galleria Scopinich di Milano nel maggio 1928 e inserito nel volume relativo alla collezione di Luigi Frugone stilato da Enrico Somarè nel 1936, il dipinto, firmato e datato 1874, affronta un piacevole soggetto femminile in termini neosettecenteschi, secondo modalità e suggestioni offerte all’artista forse dal soggiorno parigino del 1866, durante il quale ebbe occasione di conoscere l’opera di due virtuosi del pennello, Mariano Fortuny e Jean-Louis Meissonier.
Ne La pittrice l’intensità della luce che illumina la scena serve a far risaltare la preziosità quasi miniaturistica dei particolari, risolti in cromie smaltate con un approccio che richiama lo stile del pittore Giuseppe Bertini, maestro di Bianchi. Si conosce una versione probabilmente coeva ma di tono più abbozzato di questo quadro, appartenente a una collezione privata, nel quale sono state riconosciute le fattezze di Carolina Marignani, moglie dell’artista; al 1872 si riferisce invece un acquerello, già in una collezione privata milanese, considerato una prima idea per questa tela.
Il museo conserva altri due dipinti su tavola di Mosè Bianchi, appartenenti al legato di Lazzaro G.B. Frugone: Barca a Chioggia e Vecchia Milano, databili entrambi alla metà degli anni Ottanta.

Il ritratto, dal piglio vivace e disinvolto, è contraddistinto da un’inquadratura che coglie l’elegante giovane donna (forse identificabile con un’attrice della Comedie Française, Marie Jeanne Bellon, conosciuta come Miss Bell) dall’alto verso il basso: la composizione è riequilibrata dal movimento a spirale delle fruscianti vesti, che, unitamente ai veloci e sintetici "colpi" di pennello, conferisce ariosità e slancio all’insieme. Il contrasto tra il colore nero del fiocco e della capigliatura, il biancore luminoso del decollété, il rosso cangiante del vestito contribuisce a conferire al dipinto, ancora oggi, un impatto emozionale molto forte, tanto da farne, spontaneamente, l’immagine-simbolo delle Raccolte Frugone.
L’opera, firmata e datata 1903, venne acquistata da Luigi Frugone nel 1926, dal mercante Ferruccio Stefani. In una lettera il collezionista non nasconde il proprio entusiasmo per il possesso del dipinto, per il quale usa l’aggettivo "insuperabile". Il dipinto in realtà era destinato alla marchesa Matilde Giustiniani Pallavicini Durazzo di Genova, che voleva avviare una raccolta di opere d’arte moderna. Ma Stefani non rinunciò a proporlo a Luigi, per il rapporto amichevole e privilegiato che con l’industriale aveva avviato, e glielo vendette per 130.000 lire. Nel 1932, alla XVIII Biennale veneziana, in occasione della retrospettiva dedicata a Giovanni Boldini, Miss Bell venne esposto con l’esplicita indicazione della proprietà di Luigi.

La Pastorella al monte delle Raccolte Frugone vede la protagonista insieme ad un gruppo di pecore e due cani, in uno spazio naturale di ampio respiro, realizzato attraverso una pittura di tocco che diventa strumento per riportare sulla tela la percezione del reale. La tela è un esempio di come il lungo soggiorno francese abbia favorito nella pittura di Giuseppe Palizzi un interesse per il vero, inteso soprattutto come "percezione".
Se, pur mantenendo un interesse comune nei confronti della scelta del soggetto, la pittura del fratello Filippo è maggiormente orientata verso una riproduzione oggettiva del vero, nei suoi dipinti Giuseppe guarda più all’aspetto complessivo che non alla descrizione dei particolari.
Il dipinto è collocabile cronologicamente tra le opere della tarda produzione, in cui la pittura, più libera, sciolta e luminosa, sembra mossa da sollecitazioni impressioniste.

Il bozzetto è uno studio preparatorio per l’omonimo dipinto esposto da Signorini alla Promotrice fiorentina del 1860, acquistato in quell’occasione dal Principe di Carignano e oggi conservato a Valdagno nella Collezione Gaetano Marzotto.
Il bozzetto preparatorio delle Raccolte Frugone, databile dunque 1859, si può considerare frutto delle esperienze e delle emozioni dirette e registrate direttamente dal pittore sui luoghi degli eventi: come altri artisti legati alla pittura di macchia, infatti, Signorini partecipò alle guerre risorgimentali e si arruolò come volontario nel 1859.
In esso, come nel quadro finito, oltre al vigore e all’immediatezza della ripresa dal vero, si riscontra una intonazione generale chiarissima, determinata dalla stesura "a macchie" con cui l’artista costruisce le bianche architetture, l’azzurro del cielo rischiarato da candide nubi, il verde del paesaggio all’orizzonte.
Le tinte scure che si addensano in primo piano definiscono le masse dei soldati e le ombre, in contrasto con il selciato assolato.