L’enorme tela fu commissionata all’artista nel 1844 dal Comune di Ancona, su interessamento del marchese Carlo Bourbon del Monte, Gonfaloniere della città, amico e protettore del pittore.

Si tratta di un episodio ispirato all’eroica resistenza della città nell’assedio del 1173 da parte di Cristiano di Magonza, cancelliere di Federico Barbarossa. 

Dopo alcune settimane di assedio gli imperiali inviarono un’ambasciata in città chiedendo la resa, il riconoscimento del potere imperiale e la consegna del console dell’Impero Bizantino. Gli anconitani rifiutarono l’offerta ed al contrario inviarono emissari che, passando tra le file nemiche, si recarono a chiedere soccorso nelle città amiche della Romagna e dell’Emilia.

L’artista immortala il momento in cui il vecchio senatore Bonifacio Faziolo, cieco e sorretto da due giovinetti, sprona i consiglieri, i soldati e il popolo anconetano, a giurare di resistere fino alla morte all’assedio.

L’opera, teatralmente costruita, esalta le virtù civiche del coraggio e dell’unità e attualizza i concetti di resistenza e coinvolgimento patriottico nel periodo di occupazione austriaca che gli anconetani stavano attraversando quando nel 1856 giunse in città.

Firmata OPUS CAROLI CRIVELLI VENETI sul parapetto lapideo in marmo rosa, l’opera venne realizzata da Carlo Crivelli, pittore veneto tra gli artisti più importanti del ‘400. 

Un piccolo gioiello dell’arte con dettagli straordinari, reso con perizia miniatoria dei vari elementi e denso di una particolare simbologia mariana e cristologica di rimandi legati alla Passione di Cristo. Le mele del festone alludono al peccato originale, il cetriolo alla resurrezione di Gesù, la conchiglia aperta con un mollusco nella mano destra, è un’allegoria dell’incarnazione di Cristo dentro il ventre di Maria, il cardellino legato al filo è simbolo della Passione. 

Sontuosa è la veste della Vergine, composta da un manto damascato dorato, realizzato da Crivelli con vere foglie d’oro ed istoriato con fiori d’acanto, le cui spine, ricordano il dolore per la passione del figlio. Infine il Libro della Sapienza, posto sul parapetto, aperto e abbandonato al soffiare del vento, connota la Vergine come Mater Sapientiae. 

L'estrema eleganza disegnativa della scena si palesa nel volto della Vergine, caratterizzato da un’espressione affettuosa ma al tempo stesso malinconica; raffinato è poi il modo con cui afferra, in punta di dita, il piedino del figlio; così come inteso è il loro scambio di sguardi.

La Pala è la prima opera di Tiziano datata 1520. Dal cartiglio posto alla base dell’opera: "ALOYXIUS GOTIUS RAGOSINUS / FECIT FIERI / MDXX / TITIANUS CADORINUS PINSIT" si apprende che questa fu commissionata dal nobile mercante dalmata Luigi Gozzi, attivo ad Ancona, per l’altare principale della Chiesa di San Francesco ad Alto. 

La rappresentazione vede l’apparizione della Vergine col Bambino circondata da angeli, mentre nella parte inferiore si trovano, oltre al Gozzi ritratto sulla destra inginocchiato a mani giunte, i Santi Francesco, titolare della chiesa omonima e San Biagio, protettore di Dubrovnik, il quale attraverso l’indice della mano destra, conduce l’attenzione di tutti verso la visione celeste. 

L’avvenimento avviene nella più calda luce crepuscolare in un luogo indefinito ma non lontano da Venezia, la città riconoscibile sullo sfondo, a testimonianza anche degli intensi rapporti tra Ancona, la Dalmazia e la Serenissima. La raffigurazione dell’esile albero di fico, è portatrice di un forte valore simbolico, di redenzione e di salvezza.  

Il retro della tavola presenta alcuni bozzetti preparatori a carboncino, tra le quali un bozzetto per il Bambino, di mano dello stesso Tiziano. Un dipinto magistrale che rappresenta una tappa fondamentale nella sua evoluzione stilistica.

L’opera è del pittore anconitano Giovanni Andrea Lilli, artista formatosi nell’ambiante romano introno a Sisto V il cui stile è influenzato sia dalla pittura del Barocci che da tardo manierismo romano e toscano. 

La Veduta di Ancona è uno dei quattro frammenti conservati della grande pala d’altare La Vergine che incorona San Nicola da Tolentino, collocata in origine nell’abside della chiesa di Sant’Agostino (trasformata in caserma dopo il 1860). Pur non essendo noto l’intero impianto iconografico della pala, questo frammento era certamente collocato nella parte inferiore, poiché in basso a destra compare l’iscrizione con la firma dell’artista e la datazione dell’opera, in cui l’ultima cifra è abrasa. 

La veduta di Ancona è particolarmente suggestiva in quanto la sua condizione di frammento le conferisce una fissità arcaica, da paese trecentesco. Impressione questa, cui contribuisce l’innaturale colorazione rosa e lilla e la semplificazione geometrica dei volumi delle case, delle portelle e delle torri della città. L’opera costituisce un brano di grande interesse veduti stico ai fine della ricostruzione della forma urbis cinquecentesca della città dorica.

Nella grande pala d’altare commissionata per la Chiesa di S.Agostino di Ancona, ben leggibile spicca sul primo gradino la firma del veneto Lorenzo Lotto. L'impianto monumentale mostra la Madonna col Bambino su un alto trono, ai piedi del quale sono disposti i Santi Stefano, Giovanni Evangelista, Simone Giuda e Lorenzo, tutti riconoscibili per la presenza dei rispettivi attributi. 

Il più raro Simone Giuda, eponimo del committente Simone di Giovannino de’ Pizoni, porta un’inconsueta alabarda su cui si appoggia con forza, rivolgendosi con aria risoluta ed eloquente verso l’osservatore. Il dipinto fu ordinato a Lotto nell’agosto del 1538, anno in cui in città terminò la tirannia esercitata dal Cardinal legato Benedetto Accolti e dai soldati lanzichenecchi tedeschi armati di alabarde. L’arma, capovolta e spezzata, simboleggerebbe la sconfitta dell’usurpatore e la fine della tirannia. Come in altre opere di Lotto la simmetria della composizione è rotta dalla varietà degli atteggiamenti, degli sguardi e dalla figura agitata del Bambino, verso il quale convergono le linee di forza. L’atmosfera rarefatta e la luce di un tardo pomeriggio, sono frutto dell'uso di colori più smorzati e dei contrasti tra le zone illuminate e quelle in ombra. 

Pittore, scultore, scenografo, costumista, artista completo ed eclettico del secondo dopoguerra, l’arte di Corrado Cagli è nota in tutta Europa. Una personalità artistica, caratterizzata da una versatilità di stili e una padronanza nei campi più diversi dell’espressione artistica, hanno fatto di Cagli, oggetto di studio e di analisi critica da parte di storici, studiosi, poeti e saggisti di chiara fama. 

L’opera Buglione del 1971, richiama il concetto di figurazione astratta, a cui l’artista di dedicò dal dopoguerra, fatta di ripetizioni modulari e matematiche, di corpuscoli che sfidano la bidimensionalità del quadro. Le strutture geometriche si estendono nello spazio in un gioco continuo di concavo e convesso, dando l’illusione di una figura tridimensionale. I cerchi che costituiscono la figura, richiamano alla mente dell'osservatore armature leggendarie di un medioevo cavalleresco e rimandano all’usbergo, la salda struttura di una maglia metallica, tipica dei guerrieri medievali. 

Il titolo dell’opera stessa infatti, evoca la figura leggendaria di Goffredo di Buglione, personaggio fondamentale della prima crociata, riducendola ad una maschera deformata.