Appartenente al ciclo di dodici arazzi commissionati da Gian Giacomo Trivulzio ed eseguiti da Benedetto da Milano su disegno del pittore Bramantino, il Mese di Dicembre è uno dei pezzi più interessanti. Sovrastata dal segno zodiacale del Capricorno, la scena è ambientata in un’ampia sala; sullo sfondo si scorge un paesaggio invernale, in cui svetta un maestoso castello. Il centro della composizione è costituito da un pentolone in cui cuociono salami e salsicce, mescolate da una donna che un uomo tenta di abbracciare. In primo piano a sinistra un uomo gonfia delle interiora di maiale, facendone un palloncino cui un bimbo sembra molto interessato. La scena in secondo piano si incentra invece su un vecchio, identificato con il dio Saturno, con una falce e i piedi legati da un filo di lana, omaggiato da un gruppo di contadini. Con grande maestria, Bramantino riutilizza reinterpretandole antiche fonti letterarie e iconografiche. Il mese di dicembre è quello in cui si ammazza il maiale, ma l’arazzo si riferisce a ciò evitando immagini cruente. Tema centrale di questa serie di capolavori è lo scorrere continuo e ciclico del tempo, accentuato dal gesto di ogni mese, che invita a guardare all'arazzo successivo, puntando l’attenzione sul rapporto stretto tra uomo e natura. Alle caratteristiche del mese si riferisce anche l’iscrizione che tradotta recita: “Dicembre fa godere, in casa, per le pecore appena nate e per l’uccellagione, fa salare i porci e dà da fare anche ai bambini oziosi”.

Il compasso geometrico fu progettato da Galileo Galilei a Padova nel 1597 e realizzato da Marcantonio Mazzoleni. È composto da due bracci, su cui sono incise numerose “linee”, convergenti al fulcro di apertura fornito di foro per il filo a piombo, da un quadrante graduato con diverse scale e dalla zanca “a forcella”, un cursore che permette sia di allungare l’asta in cui è infilato, sia di posizionare il compasso verticalmente. Questo strumento di calcolo consentiva di effettuare velocemente più di quaranta tipi diversi di complesse operazioni geometriche e aritmetiche, basandosi sul meccanismo delle proporzioni, e di trovare soluzioni a vari problemi legati a esigenze civili e militari. Si poteva calcolare, per esempio, la balistica dei tiri d’artiglieria o ridisegnare una mappa in scala diversa, o ancora compiere operazioni di cambio. Galileo descrisse il suo funzionamento nel trattato Le operazioni del compasso geometrico et militare, che, pubblicato a Padova nel 1606 in sessanta copie, fu venduto o fornito insieme a un esemplare del compasso stesso. Dei sessanta compassi originari attualmente non sono noti più di cinque esemplari. Oltre a quello esposto nel Museo di Arti Applicate del Castello, gli altri sono al Museo di Storia della Scienza di Firenze, all’Istituto Geografico Militare sempre di Firenze, all’Università di Pisa e a Cambridge, in Inghilterra.

Il gruppo bronzeo con il Cristo tra i due ladroni rivela nella tensione dei corpi e nella trattazione dei muscoli una chiara impronta michelangiolesca, in particolar modo nella figura del cattivo ladrone. La posa di questo personaggio infatti, con la gamba sinistra fortemente piegata, mostra un inequivocabile riferimento a un disegno di Michelangelo conservato al Teylers Museum di Haarlem (inv. 18). Dato il probabile ambito lombardo, il gruppo è stato avvicinato allo scultore Annibale Fontana o secondo altri studiosi a Guglielmo della Porta. Assai interessante risulta l’esistenza di altri due gruppi di analogo soggetto, conservati al Museo Diocesano di Hildesheim e al Metropolitan Museum di New York. Per l’autografia dei tre gruppi resta ancora problematica un’attribuzione certa, mentre la cronologia si colloca nella seconda metà del XVI secolo. Il gruppo apparteneva alla collezione del pittore Giuseppe Bossi.

La raffinata e pregevole alzata è un ottimo esemplare della tecnica del vetro cristallino, inventata dai vetrai muranesi nel Quattrocento: la straordinaria trasparenza del vetro muranese permetteva infatti di ottenere un effetto simile a quello del cristallo. Al centro dell'opera, databile alla prima metà del XVI secolo, si presenta lo stemma della famiglia Gonzaga, uno scudo quadripartito con aquile nere su fondo bianco, mentre il bordo è arricchito da una serie di piccoli fiori dorati e punti stesi a pennello con smalti policromi. Il retro dell’alzata è decorato, invece, da un motivo cordonato “a tenaglie”, ottenuto con la tecnica della mezza stampatura (il vetro soffiato in uno stampo aperto). Questo pezzo così riccamente ornato doveva far parte, insieme a piatti, calici e brocche, di un servizio da mensa dei Gonzaga da utilizzare in occasioni particolari.

Tra le porcellane conservate in Museo ci sono alcune opere decisamente rappresentative prodotte dalla Manifattura Richard Ginori negli anni Venti e Trenta del Novecento. Si tratta di pezzi realizzati sotto la direzione artistica di Gio Ponti, geniale protagonista del rinnovamento delle arti decorative italiane. A questo architetto e designer riuscì un’operazione apparentemente inconciliabile, realizzare pezzi unici e contemporaneamente dare il via a una produzione in serie. Nacquero in tal modo opere di identica forma ma ornate diversamente, mentre gli stessi decori vennero realizzati in colori differenti, o utilizzati su forme diverse. Tra questi oggetti spicca la cista a fondo blu con decorazioni in oro, in cui si celebra un trionfo dell’amore e un trionfo della morte. Amore e Morte appaiono su carri trainati da cavalli alati. Il vaso cilindrico posa su piedi dorati sovrastati da figurette alate a riposo. Il coperchio ornato da ghirlanda ha una presa in forma di figura alata, rappresentata in piedi e appoggiata ad un cippo. Ideata da Gio Ponti e dallo scultore Libero Andreotti, che disegnò le figure alate nel 1928, la cista reca una elegantissima decorazione con amorini e fregi in alto, cornucopie e in basso. Questo e altri oggetti della stessa produzione ebbero grande successo. La “cista blu” è un dono della Società Richard Ginori al Museo.

La scena rappresenta un imperatore della stirpe degli Ottoni con la moglie e il piccolo figlio già incoronato, inginocchiati in atto di rendere omaggio a Cristo in trono, nella posa della proskynesis, il gesto con cui si rendeva omaggio agli imperatori bizantini. A fianco del Salvatore, cui allude l’iscrizione IHS XPS sono, in piedi a sinistra, San Maurizio, a destra Maria, indicati dalle iscrizioni ai lati, mentre più in alto sono collocati due angeli in volo. La pedana su cui posa la famiglia imperiale reca l’iscrizione OTTO IMPERATOR, che non risolve però il problema dell’identificazione tra Ottone I e Ottone II. Tuttavia l'età assai ridotta del giovane principe, che porta già la corona ed è quindi già associato al potere del padre, fa propendere per un'identificazione a favore di Ottone II, Teofano e Ottone III: se l'ìpotesi fosse fondata, la placchetta potrebbe essere stata prodotta a Milano in occasione della visita di Ottone II nel 983, quando Ottone III aveva solo tre anni. L’eleganza della composizione e dello stile, che trovano conferma in altre opere milanesi del X secolo, come il ciborio della basilica di Sant'Ambrogio, confermano il ruolo giocato da Milano e dall’Italia settentrionale nella creazione della sofisticata arte ottoniana. L’avorio apparteneva alla Collezione Trivulzio ed è entrato nel 1935 nelle Raccolte Civiche.

La cassettina è un pregevole esempio dell’eccellenza raggiunta dall’arte orafa di ambito lombardo nell’XI secolo. A forma di parallelepipedo con coperchio a spioventi, la cassetta ha un’anima in legno ed è rivestita di sei lamine d’argento parzialmente dorato, lavorato a sbalzo e a cesello. Sui lati maggiori si riconoscono il Martirio dei Santi Cipriano e Giustina e una Traditio Legis et clavium, sui lati minori sono rappresentate due figure femminili di cui una in trono e la Decollazione di San Cipriano. Il coperchio è ornato dall’Agnello mistico tra angeli e da un Vescovo tra Santi. L’iconografia scelta rivela un sapiente equilibrio tra la celebrazione della vita e del martirio dei due Santi e quella del ruolo della Chiesa, ricordata nella trasmissione a San Pietro delle chiavi e a San Paolo della Legge. L’agnello mistico raffigura Cristo. Sembra verosimile che la cassetta sia stata concepita per contenere alcune reliquie di Santa Giustina, traslate nel 1001 da Roma alla Cattedrale di Piacenza. L’alta qualità del reliquiario è percepibile nelle variazioni cromatiche e nel delicato e sapiente panneggio. Appartenente alla Collezione di Luigi Alberico Trivulzio, l’opera è entrata nelle Civiche Raccolte nel 1953.

Tra i numerosi e notevoli pezzi che compongono l’ampia raccolta di ceramiche del Castello, si distingue, per la raffinatezza della decorazione, questo versatoio in maiolica, attribuito alla bottega dei Patanazzi, maiolicari di grande fama che operarono a Urbino nella seconda metà del XVI secolo. Il versatoio faceva parte del servizio con il motto ARDET IN AETERNUM (brucia in eterno) commissionato dal duca di Ferrara Alfonso II d’Este per le sue nozze con Margherita Gonzaga nel 1579. Il Museo possiede di questo pregevole servizio altri tre pezzi, un’anfora, un piattello e una coppa. L’impresa, dipinta sul collo del versatoio, raffigura l'asbesto in fiamme. Questo minerale (più noto come amianto), il cui nome in greco significa inestinguibile, e il motto “brucia in eterno”, inquadrato in due cartigli ricurvi tra due sfingi, esaltano simbolicamente la fiamma dell’amore e la sua inestinguibilità. Il versatoio, la cui forma è ripresa da brocche contemporanee in metalli pregiati, è riccamente decorato sulla fascia superiore e inferiore “a grottesche”, con uccelli e creature fantastiche, mentre sulla fascia mediana della pancia sono dipinte le divinità marine, tra le quali si distingue un dio fluviale che regge un timone tra due figure metà centauri e metà tritoni. Tutti questi soggetti sono ispirati alla pittura di Raffaello, diffusa nelle botteghe dei maiolicari attraverso il repertorio delle incisioni.

Il prezioso ostensorio di Voghera, destinato all’esposizione dell’Ostia consacrata, è una delle opere orafe più notevoli custodite nel museo sia per la sua vivace cromia dovuta al sapiente uso dell’argento, delle dorature, degli smalti azzurri e verdi, sia per le sue notevoli dimensioni. È un pezzo di straordinaria complessità architettonica, ricco di piccole statue, di edicole, di guglie e doccioni dalle mostruose forme, che ripete la struttura architettonica della prima guglia del Duomo di Milano, la guglia Carelli, completata nel 1406. L’iscrizione niellata sul piede riporta il nome della Collegiata di San Lorenzo per cui fu creato e la data 26 maggio 1456 (Completum fuit hoc tabernaculum pro plebe viqueriensi diocesis tortoniensis MCCCCLVI die XXVI madii). L’ostensorio fu acquistato nel 1915 dalla Collegiata di San Lorenzo di Voghera (Pavia) grazie a una donazione alle Raccolte Civiche da parte della contessa Luisa Morelli di Popolo in memoria del marito Galeazzo Visconti.

Eseguito su disegno di Giuseppe Arcimboldi e Giuseppe Meda, il gonfalone venne realizzato a ricamo e tempera con inserti preziosi dai ricamatori Scipione Delfinone e Camillo da Posterla. L’opera, alta 5 metri e larga 3,50, venne commissionata dalla Magnifica Comunità di Milano nel 1565 e terminata nel 1566. L’8 settembre di quell’anno, infatti, il Gonfalone fu mostrato ai cittadini e benedetto dall’arcivescovo Carlo Borromeo. Da testimonianze iconografiche sappiamo che rimase in uso fino alla fine dell’Ottocento. Su entrambe le facce compare Sant’Ambrogio, il patrono di Milano. Egli sorregge con la mano destra lo staffile, suo tradizionale attributo allusivo alla cacciata degli Ariani, con la sinistra un pastorale molto elaborato, simbolo del suo ruolo vescovile. Le sontuose vesti di Ambrogio sono ornate da riquadri con scene di Annunciazione e dai Santi Pietro, Paolo e Barnaba, figure che ritornano nel nodo del pastorale a forma di piccolo tempio. La mitria ha inserti di pietre preziose policrome. Il patrono di Milano è incorniciato da un arco a tutto sesto, mentre alle sue spalle un edificio è ornato da scene con storie della sua vita. La complessità della figurazione e la ricchezza dei materiali rendono quest’opera la straordinaria testimonianza di un’arte raffinatissima.

La tavoletta a bassorilievo si pone tra i più raffinati esempi di avori tardoantichi. È giustamente un'opera famosissima perchè si tratta di uno dei primi dittici in avorio di contenuto religioso e una delle prime rappresentazioni note del Santo Sepolcro. Sotto alle immagini di due Evangelisti, Luca simboleggiato dal toro e Matteo dall’angelo, è infatti raffigurato il sepolcro di Cristo. Nella scena sottostante le donne giunte per piangere il Salvatore morto incontrano un personaggio identificabile con l’angelo o con il Cristo risorto stesso. La presenza di soli due evangelisti fa supporre che esistesse un'altra valva, ormai perduta. Sull’edificio alle spalle delle donne i battenti della porta mostrano tre scene evangeliche, la resurrezione di Lazzaro, Zaccheo salito sull’albero per vedere Gesù e il Cristo che ammaestra la folla. Ragioni stilistiche conducono a una datazione precoce, all'inizio del V secolo; la fattura raffinata, la cultura ancora tardoantica dello scultore, la straordinaria morbidezza dell'intaglio ne collocano l'esecuzione in una delle capitali dell'Impero d'Occidente, probabilmente Roma. Appartenuta alla Collezione Trivulzio, è stata acquistata nel 1935 dal Comune di Milano.