Prova di maestria

I mangiatori di patate è il dipinto più ambizioso del periodo olandese di Van Gogh. Prima di iniziare a dipingere, realizza oltre cento studi di ritratti di braccianti, vari disegni e due studi dipinti. Si prepara così per il suo primo grande dipinto sul tema della vita contadina nel Brabante, che considera una sorta di prova della sua maestria. Vuole dimostrare che sta per diventare un abile pittore di figure. Questo dipinto precede la versione finale e ha praticamente la stessa composizione, ma il layout è più abbozzato.

Vita contadina faticosa

Van Gogh realizza i disegni e gli studi a casa della famiglia di contadini De Groot-van Rooij. Non è sua intenzione fare ritratti precisi di queste persone. Cerca di rappresentare l'atmosfera e la natura primitiva dell'ardua vita contadina.

'Onestamente guadagnato'

In seguito scrive a Theo: Vedi, ho davvero voluto fare in modo che la gente avesse l'idea che queste persone, che mangiano le loro patate alla luce della loro piccola lampada, hanno lavorato la terra loro stessi con queste mani che stanno mettendo nel piatto, e (…) che si sono così guadagnati onestamente il cibo».

Pittura notturna

Da tempo Van Gogh intendeva realizzare un dipinto notturno. E non in maniera convenzionale, nei toni del nero e del grigio, ma in realtà con un'abbondanza di colori. Altrettanto non convenzionale è che dipinge questa terrazza illuminata a gas di un caffè di Arles in situ e al buio, perché i colori hanno un aspetto diverso durante il giorno rispetto alla notte.

Contrasto netto

L'aspetto più accattivante è il netto contrasto tra i caldi colori giallo, verde e arancio sotto la marquise e il blu intenso del cielo stellato, rafforzato dal blu scuro delle case sullo sfondo. Van Gogh fu soddisfatto dell'effetto: "Credo che un'abbondanza di luce a gas, che, dopo tutto, è gialla e arancione, intensifichi il blu".

costellazioni

Scrive a sua sorella Wil: "Mi piace enormemente dipingere sul posto di notte". Il fatto che osservi attentamente è confermato da successive ricerche astronomiche. Dipinse le costellazioni esattamente come apparivano la notte del 16 o 17 settembre 1888.

Tocco

Un'opera d'arte che puoi toccare, che puoi attraversare, in cui puoi persino giocare! Il famoso Jardin d'émail di Jean Dubuffet lascia un'impressione indelebile su molti visitatori, giovani e meno giovani.

Mondo diverso

Il "giardino" artificiale e recintato è stato progettato appositamente per il Museo Kröller-Müller. Il contrasto tra il bianco brillante con linee nere frastagliate e la natura circostante è particolarmente netto. Una volta all'interno di questo giardino d'arte, i visitatori possono immaginarsi in un mondo completamente diverso.

Caratteristica

L'atmosfera di questa scultura monumentale è caratteristica per l'opera di Dubuffet. Tutto il suo lavoro esprime il suo fascino per l'insolito, lo spontaneo, il subconscio e il caotico, che sono tipici dei dipinti e dei disegni dei bambini e dei malati di mente. Chiama queste espressioni che ammira, che non sono considerate arte ufficiale, "art brut".

Cubismo analitico

Pablo Picasso e Georges Braque svilupparono il cubismo durante i primi decenni del XX secolo. Il movimento ha attraversato diverse fasi. Il violino è un esempio di cubismo analitico. Durante questa fase la figura o l'oggetto viene sezionato, frammentato e raffigurato da più punti di vista.

Rete di superfici

L'illusione di una prospettiva naturale scompare completamente. Viene invece creata una rete di superfici poste una accanto all'altra, separate da linee e ombre. Tipico del cubismo analitico è che la composizione è costruita dal centro e "svanisce" verso i bordi. Colpisce anche la forma ovale del dipinto.

L'esperimento ha soddisfatto la forma

In questo dipinto, il punto di partenza, il violino, rimane riconoscibile solo in alcune aree: l'arricciatura del manico, le corde, il ponte, la curvatura del corpo e la forma dei fori a f. I colori sono tenui e limitati a ocra, marrone e grigio. Tutta l'attenzione è concentrata sulla sperimentazione della forma.

Colori luminosi e chiari

Nel febbraio 1886 Vincent van Gogh va a vivere con suo fratello Theo a Parigi. Lì conosce i pittori Pissarro, Toulouse-Lautrec, Signac, Gauguin, Seurat e Bernard. Ispirato dal loro lavoro, inizia a sperimentare stili diversi e colori chiari e luminosi.

Autoritratti

Durante questo periodo, ha l'ambizione di diventare un ritrattista e quindi di guadagnarsi da vivere. In assenza di modelle dipinge numerosi autoritratti, 'perché se riesco a dipingere la colorazione della mia testa, che non è senza qualche difficoltà, riuscirò sicuramente a dipingere le teste degli altri compagni e anche le donne».

Carattere dinamico

Van Gogh non è interessato a fare ritratti fotografici. Un ritratto deve anche esprimere qualcosa dello stato emotivo del soggetto. I colori sono ancora abbastanza tenui in questo autoritratto. Le tenui tinte blu e verdi dominano il dipinto. Al contrario, le rapide pennellate sono esuberanti, soprattutto sullo sfondo. Questi conferiscono all'opera un carattere vivace e dinamico.

Sonsbeek

A metà degli anni Cinquanta, Rietveld ha sorpreso il mondo internazionale dell'arte e dell'architettura con questo padiglione. Lo disegnò per l'Internationale beeldententoontelling in de open lucht Sonsbeek '55 ad Arnhem, dove veniva utilizzato per esporre sculture più piccole. La sua creazione attirò immediatamente tutta l'attenzione.

Spazio e luce

Gli elementi orizzontali e verticali del padiglione sono realizzati con materiali semplici. Gli elementi sono posizionati in modo tale che l'architettura e le sculture si rafforzino a vicenda. "Lo spazio vuoto e la luce determinano il valore dell'architettura dentro, intorno e tra i confini, che sono lì solo per definire lo spazio", scrisse in seguito Rietveld.

Ricostruito

L'edificio era provvisorio e quindi demolito dopo la mostra. Grazie ad un'iniziativa privata, l'ormai leggendario padiglione fu ricostruito nel giardino delle sculture del Museo Kröller-Müller nel 1964. Da quel momento non fu più chiamato padiglione Sonsbeek, ma padiglione Rietveld.

All'aria aperta

Nel 1841 apparvero per la prima volta i tubi di vernice di zinco, rendendo molto più semplice la pittura all'aria aperta. La vernice non si asciugava più così rapidamente ed era più facile da trasportare. Gli impressionisti ne trassero pieno vantaggio. Lasciarono i loro studi e andarono a dipingere all'aperto, 'en plein air'.

Dall'acqua

Dal 1871 al 1878 Claude Monet visse ad Argenteuil, un villaggio sulla Senna appena fuori Parigi. Seguendo l'esempio del pittore Charles-François Daubigny, fece costruire una barca in cui poteva dipingere l'ambiente dall'acqua. In questo modo è stato in grado di rappresentare gli effetti della luce sull'acqua e sul paesaggio da qualsiasi punto conveniente.

Impressione

In questo dipinto la barca è ormeggiata tra due pertiche, immobile sull'acqua. Nella cabina è vagamente distinguibile una figura, probabilmente lo stesso Monet. La maggior parte della tela è occupata dal fiume che scorre calmo, in cui si riflettono lo studio della barca e gli alberi, ma anche il cielo. In questo dipinto, Claude Monet dà un'impressione della tranquillità sull'acqua durante una giornata estiva.

Alberi da frutto in fiore

Quando gli alberi da frutto ad Arles sono in fiore nella primavera del 1888, Van Gogh li dipinge quasi ogni giorno. Così, in breve tempo realizza quattordici dipinti e diversi disegni e schizzi degli alberi in fiore. Considera i peschi rosa uno dei più riusciti della serie.

Anton Malva

La sera del giorno in cui Van Gogh realizza questo dipinto, trova una lettera di sua sorella, che gli scrive per dirgli che Anton Mauve è morto. Questo pittore non era solo suo cugino per matrimonio; gli insegnò anche a dipingere a olio e acquerello. Van Gogh decide di dedicargli l'opera.

Tenero e allegro

Scrive a suo fratello Theo che si è commosso e colpito dalla notizia, 'e ho scritto sul mio dipinto Souvenir de Mauve Vincent & Theo e se pensi che sia buono così com'è lo mandiamo alla signora Mauve con entrambi i nostri nomi . (...) Mi sembrava che in memoria di Mauve avessimo bisogno di qualcosa che fosse insieme tenero e molto allegro e non uno studio in una chiave più seria di quella'.

Oggetti per l'interno

L'artista italiano Giacomo Balla è uno dei primi ad abbracciare il futurismo, il movimento artistico che cerca di esprimere il dinamismo dell'età moderna, la sensazione di velocità e di cambiamento costante. Oltre alla pittura, si dedica anche al design futurista della vita quotidiana e si sbizzarrisce in innumerevoli disegni di oggetti per l'interno, dalle coperture, lampade, stoviglie e mobili pieghevoli per completare gli interni.

Macchina in movimento

In Paravento con linea di velocità, Balla utilizza il tema di un'auto in movimento per sperimentare la rappresentazione del movimento. L'auto in sé non è riconoscibile, ma il movimento e la velocità sono rappresentati in un astratto, energico arabesco, la linea di velocità.

Tela sagomata

Attraverso il mezzo del paravento, dipinto su entrambi i lati, Balla occupa letteralmente lo spazio ed estende i confini del dipinto bidimensionale. In parte a causa dei colori freschi e contrastanti, questo paravento è una tela sagomata dall'aspetto straordinariamente moderno, in cui luce, velocità e dinamismo sono ridotti a una sintesi di linea e colore.

Cilindro

Fernand Léger inizia a lavorare in uno stile cubista sotto l'influenza di Cézanne e successivamente di Picasso e Braque. Tuttavia, in modo molto più enfatico dei suoi esempi, dipinge figure e oggetti in volumi, come il cono, la sfera e il cilindro. Il cilindro appare così spesso nelle sue opere che un critico francese lo ha persino definito un "tubista" invece che un cubista.

prima guerra mondiale

Nell'agosto del 1914, all'inizio della prima guerra mondiale, Léger viene arruolato e schierato al fronte per la costruzione di trincee. Durante la sua permanenza al fronte, realizza molti disegni che poi sviluppa in dipinti. Soldati carte da gioco è stato creato durante la sua convalescenza a Parigi dopo un attacco di gas velenoso.

Robot

In questo dipinto Léger combina il cubismo con l'estetica della macchina. I soldati non sono persone in carne e ossa, ma sembrano più dei robot con le loro forme geometriche e robuste e le loro braccia come tubi di acciaio forgiato. Gli elementi ricorrenti ricordano le macchine da guerra. L'alternanza di piccole e grandi aree di colore conferisce anche dinamismo al dipinto.

Un'intera

Scultura galleggiante, Otterlo nasce su commissione di una scultura che formasse un tutt'uno con uno stagno e con l'ambiente. Marta Pan ha progettato lo stagno, uno specchio d'acqua curvo, in stretta relazione con una scultura organica galleggiante in poliestere bianco, che contrasta fortemente con il verde dell'ambiente circostante.

Ballando

La scultura è composta da due forme organiche, che si muovono indipendentemente l'una dall'altra attorno a un perno centrale. La forma superiore concava funziona come una vela che cattura il vento. Vento, acqua e riflesso sono componenti della scultura, che si muove attraverso lo stagno come se danzasse.

Movimento

Il movimento è un tema essenziale nell'opera di Marta Pan, nata in Ungheria. Nel 1947 si stabilisce a Parigi, dove ha molti contatti nel mondo del teatro e della danza. Le sue sculture, per lo più forme organiche in legno, legate alla scala umana e ispirate ai temi "punti di articolazione" e "equilibrio", sono fonte di ispirazione per i coreografi.

Influenza

Inizialmente Piet Mondriaan dipinse nello stile naturalistico della Scuola dell'Aia. Curioso degli ultimi sviluppi dell'arte, come il cubismo di Picasso e Braque, Mondriaan parte per Parigi nel 1911. Sotto l'influenza dei cubisti, riduce presto il suo colore principalmente al grigio, all'ocra e al marrone e la realtà riconoscibile scompare gradualmente dai suoi dipinti.

Cubismo analitico

Tavolo n. 1 mostra chiaramente l'influenza del cubismo analitico. In questo, un oggetto o una figura viene sezionato, spezzato in frammenti e convertito in una struttura complessa. La composizione è costruita dal centro e le forme diventano sfocate verso i bordi. Tavolo n. 1 ha un disegno di base di un albero, ma questo motivo è appena riconoscibile.

Primi passi

Mondriaan seziona il suo soggetto in innumerevoli segmenti. Questo crea una struttura vivace di linee orizzontali e verticali, rette e leggermente curve e superfici grigie e ocra. In questo dipinto e in altre opere dello stesso anno, Mondriaan muove i primi passi verso "l'immutabile pura realtà dietro le mutevoli forme della natura".

Nuova estetica

Velocità e movimento sono i temi principali dei futuristi italiani. Considerano la scultura classica in marmo o in bronzo del tutto inappropriata per esprimere il mondo moderno e il suo dinamismo. Pertanto, l'estetica dell'arte e della cultura tradizionali deve essere sostituita dalla 'nuova bellezza' del dinamismo contemporaneo e da soggetti come l'auto, il treno, la motocicletta, ma anche la figura umana, in movimento.

Velocità e movimento

Umberto Boccioni è sia pittore che scultore. Con le sculture che realizza durante la sua breve vita, si dimostra un vero futurista. In questa potente scultura, tenta di catturare la velocità e il movimento di una figura umana in un'unica scultura.

Struttura dell'azione

A lui interessa non solo la rappresentazione delle molteplici fasi e momenti di una figura in corsa, ma anche e soprattutto l'idea del movimento di una figura nello spazio. "Non una forma unica, ma un ritmo scultoreo unico, non la struttura del corpo, ma la struttura dell'azione del corpo."