Crown Jewels è un’evocativa istallazione che Tony Cragg ha composto utilizzando rifiuti di plastica caratterizzati tutti dal colore bianco e disposti, come in una sorta di mosaico, per dare forma a una maestosa corona imperiale. Per quanto gli oggetti della composizione, sebbene rifiuti anche piuttosto danneggiati, siano singolarmente leggibili, la loro presenza è comunque alterata in un’immagine molto più ampia, quella della corona, che lo spettatore ricostruisce attraverso un processo di lettura e associazione, passando dalla comprensione del singolo oggetto/materiale a quella di una figura più complessa. L’opera, considerando anche il periodo in cui è stata realizzata, l’inizio degli anni ’80, reca sicuramente una riflessione sull’identità nazionale e sulla situazione politica e sociale dell’era thatcheriana, che si ritrova anche in altre opere dell’artista inglese, come Britain Seen from the North, Union Jack e Riot Policeman. 

Tony Cragg usa la sua particolare tecnica del moscaio sin dagli anni ’70, ma nel 1980 subentrano due novità: le composizioni di oggetti di plastica iniziano a dar forma a immagini reali e non più astratte e, le figurazioni, per una più agevole lettura, dal pavimento, dove l’artista le aveva collocate sino ad allora, si spostano sulla parete. In questo passaggio dall’orizzontalità del pavimento alla verticalità del muro, vi è una nuova conquista: stesa sul pavimento, la figura sarebbe stata inevitabilmente soggetta a deformazioni prospettiche dovute al mutare del punto di vista dello spettatore, disposta sul muro, invece, la sua conformazione poteva risaltare in modo più chiaro, lasciando venir fuori tutta la sua potenza iconica. Per l’opera Crown Jewels, la figura della corona è stata realizzata dall’artista a mano libera, attingendo da un’immagine reale della Corona Imperiale usata come riferimento e riportata su un grande foglio di politene trasparente posato sul pavimento. Questo foglio, sul quale sono state tracciate le sagome dei vari oggetti che creano la composizione, costituisce la base da cui partire per allestire l’opera sulla parete espositiva.

Apollo e Dafne reloaded, dell'artista e designer napoletano Mario Coppola, è una monumentale scultura in PLA (acido polilattico) modellata attraverso la prototipazione rapida per deposizione di filo. Si tratta di un'istallazione site-specific, che si sviluppa verticalmente in fluida continuità con le volte del Museo Plart, dove ha esordito in occasione della personale dell'artista del 2017, intitolata Cosmogonie a cura di Angela Tecce.

L'opera è una reinterpretazione contemporanea del mito di Apollo e Dafne e si pone come frutto di una sperimentazione che attraversa l'arte antica e quella moderna, da Bernini a Moore, da Michelangelo a Boccioni. "Madonna biodigitale in fuga dallo sguardo del visitatore", così la definisce il filosofo Leonardo Caffo evidenziando come, nell'attualizzazione del mito, l'ansia e il desiderio di Apollo - qui assente - siano incarnati dagli astanti. Nel volto spaventato della ninfa, segno di una fragilità tutta umana, vi è al tempo stesso espressa una condizione che va oltre l'umano, tra mitologia e fantascienza, dove la donna è anche pianta, macchina, avatar.
L'opera di Mario Coppola è di grande interesse anche per la sua riuscita formale e metodologica, e per il materiale utilizzato, il PLA, una bioplastica di origine vegetale prevalentemente realizzata con il mais, che può biodegradarsi. La Dafne di Mario Coppola, infatti, un giorno potrebbe tornare alla terra come quel cespuglio di alloro di cui Ovidio racconta nelle sue Metamorfosi. Una suggestione potente che Coppola lascia venir fuori da tutti i suoi lavori, sia come artista che come progettista.

Le Ballerine di Riccardo Dalisi sono colorate figure fluttuanti costituite da fogli di polimetilmetacrilato che reinterpretano i suoi celebri compassi in rame e latta, piccole sculture antropomorfe al confine tra arte e artigianato, fiaba e poesia. Negli anni 2000, il noto architetto napoletano si confronta con un materiale per lui inusuale, il plexiglass, e per il Plart, nel 2011 realizza appunto le Ballerine. In quell’occasione, sulla plastica Dalisi scrive: «La plastica si trascina dietro tutta la storia dei materiali, coincide con la storia dell’uomo e con la sua cultura. Con il fuoco e la battitura, i metalli, un tempo diventavano sempre più sofisticati nella forma (martelli, aste, lamiere di cui la latta è un punto nodale, uno spartiacque per la sua malleabilità e resistenza). La ricerca sui materiali continua inesausta sfociando nei cosiddetti “plastici”: si possono manipolare facilmente e sono un puro prodotto della chimica, un’espressione della conoscenza della composizione della materia. La natura, con la sua varietà, oggi appare solo come un capitolo di un più grande universo creato dall’uomo. La geometria (con i frattali ecc.), escogitata dall’ingegno umano, supera e ingloba l’universo della geometria in natura. Con i materiali è lo stesso".

La lampada 577/S è l’edizione degli anni ’70 di una la lampada disegnata da Aleksandr Rodchenko nel 1925 per il Workers’ Club del Padiglione sovietico presentato all’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes di Parigi del 1925. Nel 1971, Gino Sarfatti, fondatore di Arteluce, dopo aver visto schizzi e disegni di lampade del costruttivista russo del 1925, commissionò ai suoi progettisti la loro riproduzione. Nascono così, nel 1974, le lampade Mod. 576, 577 e 577/S. La 577/S, in particolare, è una lampada a sospensione caratterizzata da un disegno fortemente geometrico dato dall’intersecarsi di quattro lastre di eguale forma realizzate in polimetilmetacrilato opalino satinato. Per quello che riguarda gli aspetti estetici della lampada, possiamo certamente affermare che Rodchenko aveva un’idea ben precisa della concezione degli oggetti, che gli veniva dalla sua adesione ai principi del costruttivismo sovietico, una concezione dinamica dell’oggetto che, spesso, oltre a essere sintetico, deve possedere i requisiti di trasformabilità e adattabilità all’ambiente collettivo.

Tra gli apparecchi luminosi presenti nella collezione della Fondazione Plart, vi è l’iconica lampada Ufo progettata nel 1957 da Ettore Sottsass per Arredoluce, un’azienda italiana fondata da Angelo Lelli nel 1943 e destinata a segnare la progettazione degli apparecchi a illuminazione elettrica in Italia per la ricerca, la cura dei dettagli e le innovazioni tecnologiche applicate alla realizzazione di ogni prodotto.

La lampada progettata da Ettore Sottsass alla fine degli anni ’50, può essere vista come un antecedente importante del movimento italiano del design radicale degli anni ’60 e, allo stesso tempo, un precursore del postmodernismo negli anni ’80. Ufo è connotata da una forte presenza scultorea influenzata dall'interesse di Sottsass per la scultura costruttivista e da un’attenzione alla funzionalità che risiede anche nell’uso di materiali innovativi. Ufo è costituita da due sole lastre di polimetilmetacrilato (PMMA) stampate (una bianca, l’altra gialla) tenute insieme da quattro aste metalliche smaltate, che terminano con otto piedini acrilici incolori. I due elementi in PMMA, con le loro forme delicatamente rigonfie, diffondevano la luce con un effetto soffuso e caldo, nascondendone la fonte. La lampada da tavolo poteva anche essere ribaltata per produrre un effetto d’illuminazione alternativo. L’uso precoce da parte di Sottsass della plastica per questa lampada prefigura l’intensa sperimentazione con le plastiche nel settore dell’illuminazione che si ebbe in Italia nel corso degli anni ’60, ed è significativa di un’iconografia del periodo, quella delle esplorazioni spaziali e che rimanda alle immagini dello Sputnik, il primo satellite artificiale lanciato in orbita in quello stesso anno.

Metropoligth è una lampada ideata nel 1970 dal designer tedesco Jan Roth e prodotta dalla Design M del noto progettista Ingo Maurer. Nella collezione del Plart sono presenti due esemplari di questa lampada, uno entrato nella collezione Incutti alla fine degli anni ’80, l’altra frutto di una donazione privata del 2009. La Metropoligth, di colore bianco, è costituita da una forma ovoidale attraversata da ampie baccellature. Il corpo della lampada è composto da due elementi campaniformi identici, uniti da un meccanismo a incastro semplice. Il materiale con cui è realizzata è il polistirolo (polistirene espanso), un materiale molto adoperato in ambiti come l’imballaggio o l’isolamento termico.

Il polistirene o polistirolo, nella forma semi-espansa, si presenta in forma granulare, simile a perle bianche. In questa forma, è stato adoperato ad esempio per la realizzazione di una delle sedute più note nel settore del furniture design, la Poltrona Sacco disegnata da Gatti, Paolini e Teodoro nel 1968 e prodotta da Zanotta. Nella forma espansa - quella della lampada Metropoligth - il polistirene, invece, risulta molto poco frequentato come materiale di progettazione, ma regolarmente usato per l’isolamento, l’imballaggio e il packaging degli alimenti, ambiti in cui è apprezzato per la sua capacità di assorbire umidità e per il fatto di essere duro ma allo stesso tempo flessibile. In ambito creativo, i materiali sintetici espansi come il polistirolo sono stati utilizzati negli anni ‘60 come espressione artistica a sé stante in lavori di artisti come Gianni Colombo, Nicola Carrino, Piero Gilardi (poi passato all’uso del poliuretano espanso più morbido e cedevole), Michelangelo Pistoletto, Jean Dubuffet e Giuseppe Antonello Leone. Più difficile, come già detto, è ritrovarne l’applicazione nella realizzazione di oggetti di design, il che rende la lampada Metropoligth quasi un unicum di questo settore.

L’oggetto qui rappresentato è un giocattolo che rientra in una specifica categoria hobbistica, quella del modellismo, che dopo la Seconda Guerra Mondiale, ebbe un rapido incremento proprio grazie alle materie plastiche e alle nuove metodologie di stampaggio, come quello a iniezione grazie al quale si potevano ottenere dettagli fedeli anche di formati molto piccoli: pezzi di navi, aeroplani e altri veicoli che, precedentemente erano realizzati in legno, latta e altri materiali naturali, ora venivano prodotti in plastica, e in quantità molto più elevate e a basso costo. Il nostro oggetto appartiene, tra l’altro, a una particolare sfera del modellismo, che inizia a diffondersi con il successo dei grandi film hollywoodiani. Le grandi case cinematografiche, infatti, cominciano a cedere alle aziende produttrici di giocattoli licenze per la produzione di merchandising che, unitamente alla promozione delle stesse pellicole, alimentano la fama di personaggi poi divenuti oggetto di culto. A conferma di ciò, il giocattolo in questione riproduce il personaggio di King Kong, protagonista dell’omonimo film diretto nel 1933 da Merian Caldwell Cooper ed Ernest Beaumont Schoedsack. L’oggetto, in polistirene, è prodotto dall’azienda americana Aurora Plastics Corporation fondata nel 1950 dall’ingegnere Joseph Giammarino e dall’imprenditore Abe Shikes a Brooklyn. All’inizio della sua attività, l’Aurora produceva materiali plastici stampati a iniezione per conto di terzi ma nel 1952 l’azienda dà il via alla produzione di modellini in plastica. Come riportato sulla base dell’oggetto, il King Kong appartenente alla collezione della Fondazione Plart è stato realizzato nel 1964. L’Aurora Plastics Corporation forniva, insieme alle istruzioni di montaggio dei vari pezzi che componevano il kit, anche la Styrene Plastic Cement, l’adesivo che serviva a incollare le varie parti del modello.

In Inghilterra, una delle prime aziende produttrici di giocattoli a ottenere dalla Disney la licenza per produrre merchandising ispirato ai personaggi dei film animati, è stata la Newfeld Limited fondata da Charles Neufeld nella città di Ashford, Middlesex, nella seconda metà del Novecento. L’azienda ha contribuito al piacere dei bambini del dopoguerra creando i Bendy Toys, marchio commerciale con cui distribuiva dei giocattoli caratterizzati dall’estrema flessibilità dei corpi da cui, molto probabilmente, il nome Bendy. I giocattoli a marchio Bendy Toys, oltre ai personaggi della Disney, riproducevano anche i caratteri dei Muppets che ebbero uno straordinario successo tanto da spingere l’azienda a realizzare dei Muppetts Baby. Sul processo di produzione dei giocattoli a marchio Bendy, si sa che essi iniziano la loro vita come modelli d’argilla della stessa dimensione dai quali è tratto uno stampo di gesso dal quale, a sua volta, è tratto uno stampo di metallo usato nella manifattura dei giocattoli. Se si esamina un qualunque Bendy Toys, è possibile constatare che essi sono realizzati con una gomma spugnosa che ingloba, appunto, uno scheletro di metallo.

Il modello Phonola 547 è un radioricevitore disegnato da Pier Giacomo Castiglioni, Livio Castiglioni e Luigi Caccia Dominioni nel 1939-40 e prodotto in Italia dalla Fimi-Phonola di Saronno. La radio, di colore nero, presenta una forma molto innovativa: ricorda, infatti, quella di un apparecchio telefonico con una base rettangolare e un altoparlante aggettante e leggermente inclinato, coperto da una griglia convessa, con grossi fori cilindrici utili a incrementare la diffusione nell’ambiente delle onde sonore. Nella progettazione della Phonola 547, i progettisti presero come riferimento gli apparecchi militari per le loro ridotte dimensioni, la funzionalità e la praticità. Intento della Fimi-Phonola, infatti, era quello di mettere in commercio un apparecchio che costasse poco, fosse realizzato con materiali economici, ma che non trascurasse l'attenzione agli aspetti qualitativi, funzionali ed estetici. La realizzazione del modello 547 vide una grande collaborazione tra i progettisti e i tecnici della Fimi, tanto che lo sviluppo della forma della radio, che segue la disposizione dei congegni interni, fu proprio il frutto di questa cooperazione. La perfetta sinergia tra funzione e forma, della forma che si adegua perfettamente al contenuto, potenziandone le qualità, non sarebbe stata tuttavia possibile senza l’invenzione delle materie plastiche. Lo chassiss della radio, infatti,  è una mono scocca pressofusa in resina fenolica, la famosa Bakelite, la prima plastica interamente sintetica brevettata da Leo Hendrik Baekland nel 1907 e conosciuta anche come il “materiale dai mille usi” per le sue numerose applicazioni: dalla produzione di radio, a quella di sveglie, telefoni, spazzolini da denti o gioielli.

La Tomato Chair fu progettata dal designer scandinavo Eero Aarnio per l’Adelta nel 1971. La sua produzione giunge, dunque, in un momento in cui le difficoltà connesse alla progettazione e alla produzione della vetroresina sono completamente superate grazie a tecniche di stampaggio che gli stessi progettisti contribuirono a migliorare. Nella produzione di Eero Aarnio, la Tomato Chair rappresenta un’evoluzione della Pastil Chair, una sedia ovoidale che ricordava la forma di una pastiglia e che valse ad Aarnio, nel 1968, il Design Award of American Institute of Interior Designers. La Pastil Chair poteva galleggiare e trasportare una persona in acqua, ma era instabile. Ad Arnio bastò immaginare di aggiungere al disegno della Pastil tre elementi sferici, due posti lateralmente e uno sul lato posteriore, per rendere stabile la nuova seduta che prese il nome di Tomato Chair. I tre elementi sferici aggiunti, oltre a conferire stabilità alla sedia, esercitavano anche le funzioni di braccioli e di schienale. A rendere celebra questa seduta è anche la componente lessicale. La parola pomodoro, infatti, nella sua versione inglese, riflette il suo aspetto: guardando la sedia dalla parte anteriore, si vedono le due forme sferiche che corrispondono alla due “o” della parola “tomato".

Il vassoio, il piccolo piatto e la brocchetta rappresentati in questa foto sono tipiche stoviglie prodotte negli anni '30 dall'azienda inglese Brookes & Adams. La produzione di questi oggetti è strettamente legata alla Beetle Products Co., che nel 1925 riuscì a produrre delle polveri da stampaggio derivate dal liquido di condensazione della tiourea con la formaldeide. Tali polveri, le Beetle Moulding Powder, erano mescolate con la polpa di cellulosa e venivano utilizzate da diverse aziende, tra cui proprio la Brookes & Adams, per la produzione di stoviglie e casalinghi noti con il nome commerciale  Bandalasta. Gli articoli a marchio Bandalasta, sono caratterizzati da un'ampia gamma di colori ed effetti marmorizzati che l'azienda riusciva a ottenere mescolando dei coloranti alle polveri da stampaggio. Le mescole venivano usate per produrre set completi di stoviglie, ognuna delle quali, infatti, presentava la stessa numerazione impressa alla base. In un catalogo commerciale della fine degli anni '20, la Brookes & Adams così presentava I suoi prodotti: “Bandalasta was made in a variety of beautiful marbled and translucent pastel shades. In the Marbled shades no two pieces were exactly alike, but all the pieces of the same colour number were blended so that they could be built up in complete sets”. [I prodotti Bandalasta sono realizzati in una varietà di bellissime tonalità marmorizzate e pastello translucide. Nelle tonalità marmorizzate non ci sono due pezzi esattamente uguali, ma tutti i pezzi dello stesso numero di colore sono uniti in modo che essi possano formare dei set completi]. Il testo di presentazione mette l’accento sugli effetti marmorizzati e sulle varietà di colore. Le resine sintetiche prodotte sino ad allora, le bacheliti, potevano infatti essere ottenute solo nelle tonalità del marrone e del giallo paglierino. Sono invece le polveri da stampaggio Beetle, grazie alla loro semi-trasparenza, a introdurre, negli anni '20, la possibilità di aggiungere colore alle plastiche, una qualità che per questi materiali, oggi ci appare così ovvia, ma che in quegli anni non era affatto scontata.